Nulla di ordinario su Wislawa Szymborska: recensione del libro di Michal Rusinek

Rita Bompadre recensisce "Nulla di ordinario su Wislawa Szymborska" (Adelphi)

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Recensione del libro Nulla di ordinario su Wislawa Szymborska

Il libro di Michal Rusinek “Nulla di ordinario su Wislawa Szymborska” (Adelphi Edizioni, 2019) è una memorabile e privilegiata visita alla spontanea ed affabile dimora della poesia, luogo devoto dell’ispirazione e placida permanenza dello stupore e dell’immensità, nell’inattesa meraviglia di ogni appuntamento persuasivo con la vita. La vita di Wislawa Szymborska si intrattiene in un gradevole colloquio seguendo lo sguardo unico sui suoi versi, ospiti graditi che infondono viva fiducia e compiuta ammirazione. Michal Rusinek, il suo giovane segretario, insegue testimonianze e fedeltà per più di quindici anni accanto ad una fascinazione privata e muove ogni particolare curioso ed inedito, confermando la singolarità degna di memoria che nutre la biografia della poetessa.

Le parole, parole di poesia, ripercorrono attraverso l’intensa partecipazione affettiva il contenuto di un’incondizionato amore per il talento, per la capacità intellettuale non comune e rincorrono la vivace tradizione di irresistibili esperienze letterarie, sensibilizzano il desiderio di fermare nel non luogo della scrittura lo “smisurato teatro” dell’esistenza. La luminosa gioia della storia narrata aggira e cattura la sorgente avventurosa dell’animo umano, riconosce lo sguardo felice e carezzevole che si sofferma sugli aneddoti spiritosi e stravaganti legati alla poetessa, sulle sue provvisorie abitudini di traslocare, sulle sue amabili qualità nel cucinare, sulla squisita disponibilità alle cene e alle lotterie, sulla passione per i collage artistici. Le gradite atmosfere della vita quotidiana cedono alla fantasia delle immagini, alla voluta segretezza della complicità, nelle conversazioni e nei comuni interessi, nei suggerimenti letterari e nelle dichiarate risate che hanno caratterizzato il legame distintivo tra Michal Rusinek e Wislawa Szymborska.

Leggere Wislawa Szymborska è una scelta e un’opportunità elegante a mantenere il dubbio”stupefacente” per la grande compiacenza del mondo, per proteggere la propria affinità, assecondare la propria esclusività, adottare in ogni intonazione un modo di essere e di comportarsi. La dilatata imponenza del suo linguaggio, convince il rispettoso gioco delle parole con acuta ed ironica filosofia e respira nella struggente inevitabilità la profondità dell’intero ventre della poesia. L’immutato elogio della poetessa da parte di Michal Rusinek descrive un’eccentrica nostalgia dei luoghi e delle persone che accoglie l’ombra di un passato non perduto ma che esibisce la veloce, inafferrabile ostinazione della volontà a ritirarsi nell’inconfondibile senso dell’umorismo. La poetessa assorbe l’aspetto meditativo con la leggerezza raffinata, è delicatamente distante da tutto e dove “ogni parola ha un peso non c’è più nulla di ordinario e normale”. L’amicizia che ha convinto il segretario a seguirla fino alla fine ha lo stesso bisogno di solitudine che imponeva la poetessa nel momento in cui nascevano le sue poesie, per rendere universale il rituale attrattivo di ogni riservata confidenza.

Recensione inviata da Rita Bompadre – Centro di Lettura “Arturo Piatti”

Nulla di ordinario su Wislawa Szymborska: recensione del libro di Michal RusinekNulla di ordinario
Edito da Adelphi nel novembre 2019 • Pagine: 227 • Compra su Amazon

Il 3 ottobre del 1996 l’Accademia di Svezia comunica a Wisława Szymborska che le è stato assegnato il premio Nobel. Da quel momento, lei così schiva, è costantemente sollecitata: arrivano lettere, telegrammi, manoscritti, richieste e proposte spesso del tutto incongrue. Il telefono squilla anche di notte. Si impone il supporto di un segretario. Quando Michał Rusinek, neolaureato ventiquattrenne, si presenta in casa sua, la trova sgomenta. «Allora» racconta «chiesi cortesemente un paio di forbici e tagliai il cavo. Il telefono smise di squillare. La Szymborska esclamò: “Geniale!”. E fu così che venni assunto». Le resterà accanto per più di quindici anni. In questo libro – basato su ricordi di prima mano – Rusinek getta un fascio di luce su aspetti della grande poetessa rimasti finora in ombra: le sue a volte stravaganti passioni (per i limerick e per il Kentucky Fried Chicken, per Vermeer e per gli oggetti kitsch, per Woody Allen e per «Il Circolo Pickwick» – e soprattutto per le sigarette); il suo bisogno di solitudine; il modo in cui nascevano le sue poesie («Sosteneva che l’utensile più importante nella casa di un poeta fosse il cestino della cartastraccia») e quello in cui creava i suoi collage; i suoi (complessi) rapporti con l’altro grande premio Nobel polacco, Czesław Miłosz; i rituali della scrittura e quelli che precedevano qualunque spostamento. Ma inanella anche decine di aneddoti esilaranti, di battute fulminanti e di osservazioni acuminate, in cui ritroviamo l’«esprit» settecentesco, la sottile ironia e la capacità di stupirsi di una delle poetesse più fervidamente amate dai lettori di tutto il mondo.

Cagliosa: recensione del libro di Giuseppe Franza

Paolo Altavilla recensisce "Cagliosa" (Ortica editrice, 2019)

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Cagliosa: recensione del libroUn romanzo sul calcio delle serie inferiori e sul grigiore della periferia napoletana, dove non esiste netta distinzione tra bene e male e dove la delinquenza è un fenomeno trasversale, che tocca tutti e contagia ogni animo.

“Cagliosa” è un romanzo composto in lingua coraggiosa e incisiva, uno speziato miscuglio di napoletano antico e contemporaneo, gergo tecnico calcistico e forme da prosa letteraria. Franza è uno scrittore che ha una sua inconfondibile voce, dote preziosa nel panorama del romanzo italiano. Si distacca dalla tradizione storica partenopea, dallo stile sentimentale della celebrata Elena Ferrante e dal realismo esasperato di Saviano per raccontare le inquietudini e le illusioni della strada, tra giovani che considerano il futuro qualcosa di troppo lontano e che hanno poca coscienza del passato. I protagonisti di “Cagliosa” vivono in un presente fatto di normali paradossi e di eterni rischi. Giocano a calcio per sfogare la loro aggressività, interpretano ogni partita come una battaglia, dove tutto può succedere.

Proprio seguendo partita dopo partita il campionato di una squadra di provincia iscritta a un torneo minore si entra a contatto con la vita disordinata di personaggi dai soprannomi ridicoli e dai trascorsi spesso spaventosi. Potrebbero assomigliare ai ragazzi di vita di Pasolini, se non fosse per la fredda disperazione che anima i caratteri presenti nelle pagine di “Cagliosa”. Nella periferia napoletana raccontata da Franza non c’è spazio per la spensieratezza o per i sogni di grandezza. Anche il gioco si trasforma in un’esperienza di violenza e cattiveria, tutti si mostrano rabbiosi e cinici per non passare per vittime.

Il calcio viene raccontato come un inutile e confuso affanno, un insensato sforzo di prevaricazione su nemici apparenti. In “Cagliosa” i calciatori “giocano a far male”, non gioiscono per la vittoria ma per l’offesa inflitta all’avversario. Una metafora della vita follemente competitiva ed esagitata dei tempi attuali?

Recensione inviata da Paolo Altavilla

Cagliosa: recensione del libro di Giuseppe FranzaCagliosa
Edito da Ortica editrice nel 2019 • Pagine: 324 • Compra su Amazon

Giovanni detto Vangò ruba motorini per conto di un carrozziere e nel tempo libero gioca a calcio nella squadra del suo quartiere: il Rione Incis Club, formazione di dilettanti iscritta al girone C della Terza Categoria provinciale napoletana. Ventidue sono le partite del torneo, e ventidue sono i capitoli del libro, attraverso cui Giovanni misura i propri limiti e il suo abbrutimento, subendo l'inutile ferocia dei compagni di squadra, l'ottusità dell'allenatore, i vincoli di un'esistenza da schiavo. Qualcosa sembra cambiare il giorno in cui incontra una bella giornalista sportiva, la sua nuova, impossibile ossessione. Stimolato da un sentimento inedito, il ragazzo comincia a rendersi conto di dover evolvere. Ma come? Sullo sfondo, prosegue il campionato della Incis, tra risse, scorrettezze, acide rivalità, figuracce e futili rivalse. Non ci sono campioni né sportivi, e ogni personaggio rivela senza vergogna la propria deficienza morale. Ciononostante, lontani dai riflettori, su campi polverosi e invasi dall'erbaccia, Giovanni e compagni combattono per resistere alla forza centrifuga del non senso, per sopravvivere a loro stessi.

Sensitive: recensione del libro di Vivian Ley

La recensione dell'antologia di racconti pubblicata di recente da Porto Seguro Editore

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Sensitive: recensione del libro

La recensione di Sensitive firmata da Orlando Nortom

Sensitive di Vivian Ley è un libro che merita di raggiungere un pubblico internazionale.
La scrittura moderna nasconde abilmente l’afflato tragico. La prosa è curata con perizia maniacale e il ritmo della pagina è abilmente costruito attraverso la tensione emotiva delle atmosfere psichiche generate da complesse immagini oniriche, creature dell’inconscio collettivo rappresentato con abilità dall’autore. Immagini stranianti e perturbanti, di cui ogni personaggio è il simbolo rappresentativo. Creature umane solo in apparenza, ma in realtà allegorie simboliche dei mostri terrificanti che abitano l’inconscio dell’uomo sin dalla notte dei tempi.
Sorge il dubbio che una tale abilità tecnica sia di un uomo, e che lo pseudonimo Vivian Ley non sia altro che una identità fittizia che nasconde la sua vera natura.
Che sia un uomo o una donna il vero autore del libro poco importa in realtà, perché l’unica certezza verosimile che abbiamo è la maestria tecnica esibita nella narrazione.
Sensitive è un libro diverso da tutti gli altri, per il coraggio di esibire la crudeltà e la meschinità che alberga l’animo umano. Senza remore e senza edulcorare la realtà dei fatti, la violenza appare come la vera protagonista della narrazione, un leitmotiv oscuro, lento, invadente, che si insinua nella mente del lettore. Un viaggio attraverso le distorsioni dell’essere, la crudeltà più efferata, l’incapacità di amare se stessi e gli altri. La fascinazione della parola è abilmente costruita attraverso suggestioni ipnotiche create ad hoc: la scelta delle parole evoca dei suoni precisi, che ricalcano ritmicamente una metrica cesellata dai suoni che riproducono fedelmente le esperienze brutali vissute dai protagonisti.
Ne sono l’emblema i racconti Marilyn e la Confessione, nei quali la parola si fonde nel tono e nel timbro e nella cesura delle pause, a favore di un senso di straniamento temporale, che annulla la percezione consueta del tempo e dello spazio percepito dal lettore, così dice infatti l’incipit del primo racconto citato:
“Sarà mai possibile, un giorno, che mi svegli senza pensare più a quel che è stato, al dolore, alla sofferenza, ai traumi, al sentimento di abbandono che è radicato in me sin dall’infanzia come una macchia scura che, seppure tenti di eliminare a forza, lacerando le nocche della mano che sanguinano davanti agli occhi per ricordarti, come niente di più e niente di meno di un sigillo, che nulla potrà essere fatto contro l’alone infeltrito nelle maglie del tessuto che un tempo era bianco e che mai più tornerà a esserlo? Ci sarà mai un giorno in cui fermandomi – come se il corpo che trascino smettesse di appartenermi per somigliare a un blocco di marmo piantato sul terreno – e volgendo lo sguardo all’indietro non vedrò più le macerie che mi accompagnano da quando sono nata? La stessa rovina che muta mi osserva, arrogandosi il di- ritto di diventare presenza, un’ombra che ognuno di noi, suo malgrado – nessuno escluso, è costretto ad avere.
A livello semantico la stessa densità magmatica e analoga forza evocativa appartiene all’incipit del racconto La confessione: “Le sue mani aderirono perfettamente sulla pelle, una morsa che smise di stringere solo dopo avermi soffocata. Mi uccise così, con le mani al collo. Con quelle mani che avevano accarezzato il mio corpo dolcemente, che avevano avuto cura della mia carne fragile, che mi avevano scortata nelle stanze della vita per lungo tempo. Mi uccise così, senza capire cosa faceva. Senza capire che mi sottraeva la vita e la speranza dei sogni della mia giovane età. Ero morta, ero solamente morta”. La scrittura di Vivian Ley è un incontro con la grande fascinazione esoterica del perturbante puro, un viaggio attraverso le emozioni inconfessabili, l’orrore e la meraviglia, l’amore e l’odio, il possesso dell’altro declassato al rango di un oggetto, e le passioni ancestrali dell’esistenza, retaggio della tragedia umana universale, luoghi delle pulsioni più primitive dall’antichità ai nostri giorni.

Recensione inviata da Orlando Norton

Sensitive: recensione del libro di Vivian LeySensitive
Edito da Porto Seguro nel 2019 • Pagine: 146 • Compra su Amazon

Scrive Vivian Ley: «Chissà poi per quale strana ragione si sottrae la bellezza primigenia dell'incanto a favore dell'oscurità». La raccolta "Sensitive" è attraversata da un leitmotiv oscuro, lento, insidioso, invadente e disturbante, che, come una lama affilata, infligge una pena delittuosa al suo lettore. La violenza che alberga l'animo umano è il tema che ispira tutta la raccolta. L'uomo è ricettacolo dei sentimenti più bassi dell'essere umano: la rabbia, la gelosia accecante, la sessualità esperita nella forma più bassa e triviale, l'odio e il desiderio efferato di vendetta sono solo alcune delle dimensioni esplorate dalla scrittrice che, però, non si limita ad accendere un focus sulla brutalità dell'esistenza. Se il leitmotiv è la violenza, il controcanto è la capacità di prendere le distanza da un mondo in cui la barbarie ha la meglio, per attraversare le macerie della distruzione assoluta e rinascere nella bellezza della vita. Vivian Ley è il cantore della tragedia umana moderna.

Gli ultimi furono i primi: recensione del romanzo di Gino Rocca

Annalina Grasso recensisce "Gli ultimi furono i primi" di Gino Rocca

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Recensione Gli ultimi furono i primiLa prima ispirazione a scrivere il romanzo Gli ultimi furono i primi (Premio Bagutta 1931) è probabile che allo scrittore e giornalista Gino Rocca fosse venuta da una riflessione comune: Venezia città fuori dal tempo. In effetti la letteratura narrativa e poetica su Venezia, dalla fine dell’Ottocento ai primi anni nel Novecento, ha avuto il marchio delle sontuose pagine barresiane della Mort de Venise, nonché di D’Annunzio e Ruskin, i quali hanno celebrato il morboso disincanto della città lagunare che a Barrès dava persino la febbre. [Read more…]

Il cavaliere d’inverno: recensione del romanzo di Paullina Simons

Valentina Colombo recensisce "Il cavaliere d'inverno" di Paullina Simons (Rizzoli, 2003)

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Recensione di Il cavaliere d'inverno

La recensione di Valentina Colombo

Una stella brillante che conduce all’infinito racchiusa in una città circondata dal sangue. Tatiana e Alexander, una ragazza russa ancora innocente e un affascinante soldato dell’Armata Rossa, si incontrano in una strada deserta di Leningrado il 22 giugno 1941, poche ore dopo che l’Unione Sovietica è entrata in guerra contro la Germania.
Per descrivere l’emozione e l’ammirazione che mi ha suscitato la lettura di questa storia d’amore mi servirebbero troppo tempo e spazio, perciò mi limito a dire che con “Il cavaliere d’inverno”, seguito da “Tatiana & Alexander” e “Il giardino d’estate”, Paullina Simons ha ammaliato tutte le sue lettrici. Nel 2000, quando è uscito il primo volume della trilogia, Paullina era già amata in tutto il mondo, ma la passione e l’entusiasmo che ha messo nello scrivere questa storia hanno reso Tatiana e Alexander i suoi cavalli di battaglia; forse perché c’è una parte del suo passato intrappolata nella trama: infatti, Paullina è nata a Leningrado nel 1963 e si è trasferita in America con la sua famiglia all’età di dieci anni. Adesso vive a New York, tra le attenzioni da suddividere fra i suoi figli e i suoi fan; quest’estate ha tenuto dei tour in Inghilterra e in Australia per presentare il suo nuovo libro, “The tiger catcher”. Tuttavia, sta ancora ricevendo i molto apprezzati complimenti per l’impareggiabile trilogia, ricca di sentimento, ma anche di descrizioni storiche riguardanti una città che non sempre viene ricordata come, invece, merita.
L’amore di Tatia e Shura, diminutivi dei due protagonisti, è una nuvola soffice, una bomba prorompente, più luminosa del sole. Ho apprezzato particolarmente i loro sguardi, descritti attentamente dall’autrice, nei quali si rivela un trasporto profondo e violento. Ma qualcosa eclissa i loro sentimenti, i loro sorrisi, le loro vite: la guerra. Fin dall’antichità, fin dal grande Impero Romano, all’inizio di una guerra ogni Paese pensava che si sarebbe esaurita in fretta, nel giro di pochi mesi; anche Tatiana è sconcertata dalla quantità di provviste che si è procurata la sua famiglia e si rifiuta di acquistare il carburante per la stufa: sicuramente in inverno quel momento sarebbe stato un ricordo lontano, sfumato. Tuttavia presto Leningrado viene circondata, assediata dai tedeschi. Una circonferenza perfetta, un sole rinchiuso tra le nuvole. Hitler non è come Stalin, non è pronto a sacrificare tutti i suoi uomini, si limita a far morire di fame e di freddo la popolazione russa. Il cibo a ottobre scarseggia, ma a gennaio le scorte sono esaurite e nel pane delle razioni giornaliere è presente molta più segatura che farina. L’inattaccabile città russa, difesa dall’inarrestabile Armata Rossa, si trova nella stessa situazione in cui si trovò la polis di Atene durante la guerra del Peloponneso, quando i cittadini ateniesi si rifugiarono all’interno delle mura, per volere della politica attendista di Pericle, finché non scoppiò un terribile epidemia.
Sullo sfondo una famiglia ingrata, in cui la figlia minore viene picchiata; il dolore di due genitori, al culmine della propria intensità, spinge a pregare Dio che la morte prenda Tatiana, non il loro unico ragazzo. Il comunismo ha formato entrambi: lei, ignara di cos’altro esiste, ma costretta a vivere in un appartamento comune, senza nemmeno un regalo di compleanno; lui, che ricorda con nostalgia i bagni privati, le docce calde, la privacy e solo con un sogno: l’America. È vero che bisogna amare se stessi per riuscire a fare lo stesso con il prossimo, ma penso che a volte sia proprio l’amore che ci permette di conoscerci del tutto. Il destino li ha donati l’uno all’altra, perché ognuno scoprisse se stesso e la propria definizione di amore.
Paullina Simons ha il dono straordinario di fondere l’amore con la storia, mettendo in evidenza entrambi; un linguaggio energico, passionale, a volte straziante, racconta come la neve ricopra anche i cuori di Tatiana e Alexander, facendo bruciare ancora di più il dolore causato dalla fame, sia di cibo sia l’uno dell’altra. Lo struggimento trapela dalle pagine del libro, la sofferenza di chi sente che non può vivere senza un’altra persona, come se loro due fossero il tronco di un albero dipendente dalle foglie e viceversa. L’immensità dell’universo è alle porte, ma l’uscita è bloccata dalla brama di potenza degli uomini. Shura, un maggiore nutrito a sufficienza, sorregge e protegge la sua Tatia dai pericoli incombenti, descritti con distacco e passione contemporaneamente. Nelle pagine si riscontrano numerosissimi particolari, che all’apparenza risultano insignificanti, ma hanno un potere inimmaginabile: leggendo si pensa di essere in una Leningrado assediata e quando ci si sveglia dal sogno a occhi aperti ci si chiede come sia possibile avere le dispense della cucina piene di provviste. Alexander afferra Tatiana al volo quando scivola sulle scale ghiacciate, le regala una pistola perché si difenda dai cannibali con gli occhi colmi di follia, ferma i pugni del padre e della sorella che la stanno per colpire; la trascina su una slitta, tra le strade di una Leningrado massacrata, quando non riesce nemmeno a tenere gli occhi aperti, sussurrandole che la ama, che deve sopravvivere per lui. E Tatiana apre gli occhi per Alexander, perché il suo amore può ridarle la grande energia di cui necessita lei, una piccola stella, per continuare a brillare; il suo amore la induce a dirigersi verso la luce degli edifici che bruciano, distrutti dalle bombe, per riscaldarsi. I crampi allo stomaco, il sangue che esce dalla bocca, il corpo che si restringe e rifiuta di obbedire ai comandi sono soltanto disturbi fisici. Tatiana, che ogni giorno vede la morte sul volto delle persone a lei care e sui corpi abbandonati in strada o davanti all’ingresso del cimitero, e Alexander, che sente il fragore continuo delle bombe che scoppiano, desiderano solamente essere isolati in una bolla di sapone dai colori dell’arcobaleno; forse, in fondo, è meglio la morte: silenzio, calma, benessere. Entrambi sanno che le loro anime voleranno in un rifugio comune, in un prato vicino al fiume che scorre nel bosco.
Qual è l’ordine dell’amore? La famiglia o l’amante? Una domanda scomoda, ma importante, che il libro pone ripetutamente. Infatti nell’animo lascia qualcosa di più di una conoscenza storica: uno stile di vita, dei principi. Fra questi ultimi io ritengo che quelli fondamentali siano l’amore ed il fatto che la vita valga sempre la pena di essere vissuta, comunque essa sia.
Durante quella terribile guerra, la seconda che coinvolse l’intero mondo, i civili, russi, tedeschi, inglesi, italiani, francesi, non erano arrabbiati con il nemico o determinati a vincere, ma stanchi. Anche Tatiana e Alexander lo erano, per questo cercarono rifugio in Dio, non per chiedere la fine della vita, bensì l’inizio di una nuova. Lei recitava un verso sopra i corpi freddi dei suoi familiari: “dacci oggi il nostro pane quotidiano”. Era l’unica parte della preghiera che conosceva, ma sperava che a Dio bastasse. Perché anche se lei e tante altre persone erano sole, affamate e senza una via di fuga, c’era una sola cosa che non avrebbe mai ceduto alla morte: la speranza. La speranza di sorridere ancora una volta, di vivere di nuovo, di continuare ad amare.

Il cavaliere d’inverno: recensione del romanzo di Paullina SimonsIl cavaliere d'inverno
Edito da Bur nel 2003 • Pagine: 700 • Compra su Amazon

Leningrado, estate 1941. Tatiana e Dasha sono sorelle e condividono tutto, perfino il letto, nella casa affollata dove vivono con i genitori. Una mattina il loro risveglio è particolarmente agitato: Dasha ha un nuovo innamorato e non vede l'ora di raccontare tutto a Tatiana. Ma un annuncio alla radio manda di colpo in pezzi la loro serenità: il generale Molotov sta comunicando che la Germania ha invaso la Russia. È la guerra. Uscita per fare scorte di cibo, Tatiana incontra Alexander, giovane ufficiale dell'Armata Rossa, e tra loro si scatena un'attrazione irresistibile. Ancora non sanno che quell'amore è proibito per entrambi e potrebbe distruggere per sempre ciò che hanno di più caro. Mentre un implacabile inverno e l'assedio nazista stringono la città in una morsa micidiale, riducendola allo stremo, la dolce Tatiana e il valoroso Alexander troveranno nel legame segreto che li unisce la forza per affrontare avversità e sacrifici. Con la speranza di un futuro migliore.

Recensione inviata da Valentina Colombo

Anselmo Bucci – Il pittore volante: recensione del libro

Annalina Grasso recensisce "Anselmo Bucci - Il pittore volante" (Silvana, 2006)

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Anselmo Bucci è stato tra gli artisti di guerra, una delle figure più importanti nel panorama culturale italiano, soprattutto per quanto riguarda la tecnica dell’incisione. Non tutti però sanno che Bucci è stato anche un valido scrittore, nella fattispecie, autore del catalogo Il pittore volante, vincitore del Premio Viareggio nel 1930.

Il pittore volante è un libro che si gusta, si centellina ma non solo perché è costituito in gran parte da aforismi, piuttosto in virtù dei paradossi estrosi ricchi di concentrata verità. Leggendo l’incrocio di sentenze, il contrasto dei punti di vista e delle verità affermate, si ha l’impressione di far resuscitare la figura di Bucci, un moralista, un uomo di mondo, un artista, uno schermidore di classe al contempo parigino e italiano. Solo in apparenza di può pensare di trovarsi di fronte ad una figura piacevole: in realtà questa è la scorza di Bucci, la sua vernice. In profondità c’è una realtà nient’affatto jolie, una realtà seria, dolorosa, triste, come emerge dalle pagine del Pittore volante, dove si canta l’amore dell’autore per Rembrandt. Infatti dopo aver descritto con un’aderenza rapida e scolpita le figure e l’effetto della “Ronda di notte”, il dipinto del celebre artista olandese, Bucci esclama: “Gran bell’arte la pittura. La pittura è l’immediata fra le arti; è magica perché crea le luci, è umile perché popola la memoria più rude, è generosa perché col fango della strada crea le gemme e le dà. La pittura è bella”. E poi, come in una contrazione di tristezza, celata da un tono di spavalderia, alla quale sembra non credere neppure lui sospira: “Peccato, è un’arte perduta da due secoli”.

Di grande interesse risulta anche il capitolo “Angoscia” dove viene descritto l’inferno dell’artista moderno e una brutta giornata che arriva solo a quelli che si buttano sul lavoro con perduta passione, per poi risalirne nauseati, spossati nell’intimo.

Il pittore volante ci consegna anche un Bucci epigrammista e butadista sulle donne, sull’amore, sulle mostre d’arte, sui visitatori borghesi, il quale non perde mai occasione per confessare il suo sconfinato amore per l’Arte. Dell’animo delle donne Bucci ha un fiuto istintivo, dei costumi cogli con un tratto, con una sola immagine, la vibrazione, la linea, l’intima sostanza.

Bucci maneggia la penna come se avesse in mano il pennello. Adoperando con estrema efficacia e chiarezza le parole, sebbene non abbia un ricco vocabolario: la sua frase è nuda, semplice; aggredisce l’oggetto, incapsula l’immagine con precisione e sobrietà senza perdersi in giri eleganti di parole.

Recensione a cura di Annalina Grasso

Annalina Grasso è una giornalista pubblicista nata a Benevento. Si è laureata in Lettere moderne all’Università Federico II di Napoli con una tesi su Giacomo Debenedetti interprete di Marcel Proust e si è specializzata in filologia moderna a indirizzo linguistico presso la medesima università, con particolare interesse verso la storia della lingua italiana. Ha frequentato un corso di laurea magistrale in Editoria e scrittura presso l’Università Tor Vergata di Roma, un breve corso di studi umanistici alla Sorbona e ad Harvard (incentrati soprattutto sulla Divina Commedia), un corso di media social communication alla Ninja Academy di Milano e un master in arte e organizzazione di eventi culturali (specialmente mostre d’arte). Da anni si occupa di cinema, arte e letteratura e nel 2014 ha fondato il magazine culturale online ‘900letterario, che dirige. Le sue ricerche e studi sono volti alla divulgazione di opere letterarie e cinematografiche meno conosciute.

Nel segno del giudizio: recensione del saggio di Manola Bacchis

Annalina Grasso recensisce "Nel segno del giudizio - L'arte nelle copertine di Salvatore Satta" (Condaghes, 2017)

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Nel segno del giudizio: recensioneNel segno del giudizio – L’arte nelle copertine di Salvatore Satta (Condaghes, 2017) è un saggio di di Manola Bacchis, pedagogista e sociologa all’università di Pisa, che tratta di tutte le edizioni, straniere ed italiane, delle opere del grande giurista e scrittore sardo Salvatore Satta, autore di pregevoli romanzi come Il giorno del giudizio (1977), e La veranda (1981), oltre che acuti trattati di diritto come Il mistero del processo (postumo, 1994). Il merito del saggio, sta nel mostrare come l’immagine crei memoria più delle parole, influenzando l’immaginario del lettore attraverso una semplice copertina che custodisce un grande potere comunicativo.

Manola Bacchis, con il supporto di Filippo Satta, figlio di Salvatore, accompagna l’osservatore-lettore che si sente parte integrante dell’immagine che ha tra le mani, in un viaggio visivo e suggestivo durante il quale sembra rimarcare le parole di Cesare Pavese, il quale affermò che «sovente un accostamento tra uno scrittore e un gusto figurativo preesistente vale un intero saggio critico».

Così, come recita la nota introduttiva al libro (suddiviso in sette capitoli)

davanti a Nel segno del giudizio: l’arte nelle copertine di Salvatore Satta, si ha la percezione di affrontare un viaggio dentro un mondo magico, e, a volte, sconosciuto. Si parte da Padova, quarant’anni dopo la prima uscita del libro, maggio 1977, edizione Cedam, per arrivare all’ultima edizione inglese The day of judgment!, Apollo, Londra, aprile 2016, dopo aver attraversato i due emisferi”.
Si va in lungo e in largo per il mondo, alla ricerca di occhi attenti, di animi predisposti all’ascolto delle vicende della famiglia Sanna Carboni di Nuoro, e della loro città che diventa cuore e microcosmo dell’Universo.

Le copertine esaminate da Manola Bacchis, costituite da opere d’arte pittoriche e fotografie, sono quarantuno, di cui undici prodotte dalle case editrici nazionali per essere poi sottoposte alle considerazioni di un pubblico eterogeneo.

L’opera, concepita come un saggio che faccia conoscere ai più il dimenticato scrittore nuorese, si concretizza come un racconto che mira a celebrare l’universalità dell’opera di Salvatore Satta attraverso la rassegna delle copertine dei libri dell’insigne giurista, le quali rappresentano la soglia dell’ingresso al testo, e principali tasselli della comunicazione di una casa editrice.

A proposito dell’aspetto visuale di uno scritto, è utile riportare il pensiero di Elio Vittorini, in relazione alla disamina di Manola Bacchis: «Riguardo ai possibili modi di illustrare il libro, ve ne sono due: o corrispondere al suo linguaggio, al suo stile, o interpretarne il fondo» (p.3). Nel caso delle copertine di Satta, secondo l’autrice, esse contribuiscono a interpretare il contenuto, le tematiche della sua opera. Come anticipa la prefazione a Nel segno del giudizio, le copertine diventano istantanee di un mondo vissuto: quello sardo, con i suoi silenzi e scorci.

In questo senso è utile prendere in esame la prima tela di Foiso Fois, menzionata dalla Bacchis per la prima stampa del romanzo di Satta, Il giorno del giudizio, del 1977. In questo coloratissimo dipinto i protagonisti appartengono al mondo dei morti che divengono presenze grazie al loro incrociarsi con il mondo dei vivi. Risiede qui la forza del ricordo attraverso un simbolo. Manola Bacchis nella sua analisi vuole andare oltre la semplice descrizione delle copertine, chiamando lo spettatore-lettore stesso a scrutare al di là dell’immagine, a svelare il mistero che custodisce ogni copertina nella civiltà dell’immagine in cui viviamo e presentare le copertine de Il giorno del giudizio come esempio di raggiungimento dell’obiettivo visuale, ovvero quello di catturare l’occhio del lettore, che è oggetto e ragione dell’evocazione/provocazione polisemica.

L'edizione Cedam

L’autrice si concentra sulla lingua delle opere di Satta, sulla sua universalità e sulla rapida diffusione sia in Italia che all’estero, soprattutto in Spagna, per poi concentrarsi sul concetto di copertina quale opera visuale visibile e opera visuale invisibile.

Delle quarantuno copertine, undici sono state adottate dalle case editrici nazionale comprese le sarde Il Maestrale, Ilisso e La nuova Sardegna che ha stampato il libro come supplemento al quotidiano, analizzate minuziosamente e poi proposte ad un pubblico eterogeneo lasciando che esso fantastichi e si emozioni visionando le figure. Manola Bacchis ci fa comprendere chiaramente, adoperando metafore, elencando esempi, quanto sia immenso il mondo editoriale il cui codice non si riduce alla conoscenza alfanumerica, ad un atto comunicativo, perché l’insieme visuale di una copertina «porta in superficie un quadro, che equivale al richiedere significato ed equilibrio descrittivo e traducibilità privata e sociale»;. (p.36). Secondo la Bacchis, bisogna dunque scoprire una copertina per scoprire il verbo, la parola, l’idea, la fantasia, la storia, la letteratura soffermandosi verso la metà del libro proprio sul rapporto tra linguaggio privato e linguaggio sociale nel Giorno del giudizio con particolare attenzione alla dimensione spazio-temporale. Cruciale nell’indagine della studiosa sarda l’aspetto della manipolazione del commercio che vaglia la sfera concreta dell’uomo che si trova a scegliere un libro.

Nel segno del giudizio si muove intelligentemente tra annotazioni e tecniche legate sia al mondo editoriale e sociale in generale che nello specifico al contenuto del Giorno del giudizio, partendo dall’assunto che la creatività è comunicazione e che l’immagine come la parola è la lettura dell’uomo, della sua storia, del suo essere stato e perfino di quello che sarà, quindi «tanto l’immagine quanto la parola sono la trasposizione dei due fattori, l’io e l’altro, resi sensibili da un terzo altro, con un potere tale da indurre in noi la domanda: ‘Ha un libro cambiato la vostra vita?»” (p. 52).

La letteratura del testo si fa accompagnare dall’arte, dalla sua forma, dal suo grafismo, ma la Bacchis giustamente precisa che «non tutte le immagini sono visuali e il visuale non necessariamente è un’immagine» (p. 63). Il discorso quindi non è lineare come può sembrare e l’autrice approfondisce questa tematica entrando nel terreno mobile delle copertine definendole «immagini di non immagini e non immagini di immagini» (p. 68).

Un mondo si simboli e metafore in divenire dunque, sebbene l’immagine non assumerà mai lo status di immagino sino a quando essa non si legherà ad un soggetto che le conferirà concettuale ed iconica. Solo allora sarà avvenuto il processo percettivo, la creazione, l’atto comunicativo, lascia intendere la Bacchis. Il focus della ricerca è proprio l’analisi delle copertine nel loro insieme da un punto di vista descrittivo ed oggettivo, senza rinunciare alla riflessione sull’aspetto evocativo inserito in un discorso prettamente indirizzato ai visual studies in relazione alle edizioni delle copertine (dal 1990 al 2016), racchiuso nei capitoli intitolati Vedute visuali e che occupa buona parte del saggio. A tal proposito è fondamentale per la Bacchis la presenza di un vero sociologo visivo che intenda la realtà come la possibilità di una costruzione perpetua del sistema culturale sociale.

La prima copertina analizzata dalla Bacchis è quella dell’opera De profundis (CEDAM, 1948) che presenta una copertina morbida, bianca, lineare, non illustrata, dove si mette in risalto il titolo dello scritto. Passando per le opere Soliloqui e colloqui di un giurista (CEDAM, 1968), un cartonato rilegato con sovraccoperta in cartoncino morbido beige chiaro, La veranda (Adelphi, 109, 1981, postumo che riporta l’immagine di un dipinto dal titolo Wind from the sea dell’artista americano Andrew Wyeth, Padrigali mattutini (Ilisso, Collana scrittori di Sardegna, n.38, 2015), cartonato editoriale illustrato a colori, che riporta come immagine il dettaglio dell’opera Maria Pietra dell’artista Maria Lai, si arriva alla prima edizione della copertina di quello che è considerato il capolavoro di Satta, Il giorno del giudizio foriera di espressioni figurative di grande significato, la quale autore e testo tramite un linguaggio letterale, simbolico e allegorico. Se nell’edizione della CEDAM del 1977 (brossura a filo di refe, illustrata a colori «l’immagine, il titolo e l’autore danzano nello spazio che gli è concesso» (p.77), nell’edizione Adelphi del 1979 (copertina di color giallo paglierino), figura Il carro fantasma di Salvador Dalí che unisce surrealismo e realismo, richiamando quel tratto della penna di Satta intriso di ossimori, in linea con la profondità intima dell’autore e con il suo insistere sul concetto di effimero ed eterno.

Per quanto riguarda le copertine internazionali, è opportuno menzionare la Insel, la prima casa editrice a livello internazionale che pubblica Il giorno del giudizio, con la sua copertina nitida, dove il contrasto tra il bianco, l’immagine fotografica e i tratti identificativi del libro creano un effetto visivo immediato di combinazione tra opera, autore ed editore. Infatti la scelta ricade sul portale della chiesetta delle Grazie, davanti alla quale sono poste due donne che indossano l’abito tradizionale nuorese.

La celebre casa editrice Gallimard edita invece per la prima volta nel 1981 con il traduttore Nino Frank e opta per una copertina essenziale che dona al libro un tocco universale e classico. La casa editrice Meulenhoff di Amsterdam è la prima ad editare nel 1982 in lingua olandese Il giorno del giudizio, il quale presenta una copertina di non semplice interpretazione: il genere editoriale “Roman” è sul lato destro in basso, corpo normale e dimensioni ridotte rispetto al resto. Sul dorso: nome, titolo e simbolo della casa editrice in stampatello nero su sfondo bianco. L’immagine utilizzata, una foto in bianco e nero, crea un gioco visuale simmetrico: essa ritrae una finestra in pietra con cornice iconografica che certamente non ha una mera funziona decorativa, e grate in obliquo. Ai due lati si possono osservare due simboli arcani identici: il sole delle Alpi e il sole del pastore detto anche sesto giorno della Genesi.

Tralasciando le edizioni in polacco, finlandese, slovacche, anche queste analizzate minuziosamente dalla Bacchis, ci soffermiamo sull’edizione spagnola de Il giorno del giudizio, edito per la prima volta da Anagrama, con sede a Barcellona, nel 1983, la quale pone in copertina un dettaglio importante: premio Comisso 1979, sezione narrativa. Le specifiche del testo e l’immagine occupano posizioni centrate sul frontespizio con sfondo chiaro, adeguato con la rappresentazione iconica del dipinto a olio Vanitas stil life del pittore fiammingo Cornelis Norbertus Gysbrechts che riconduce all’essenza dell’opera sattiana: elementi concettuali che illudono la vista (un teschio, un boccale, un violino, una lanterna), fondendosi con il bianco che è luce per Il giorno del giudizio, creando un effetto visivo bidimensionale. Il mistero della vita e della morte.

Al netto delle riflessioni di Manola Bacchis, che però a volte si perdono in ovvietà, possiamo trarre le seguenti conclusioni: la copertina non è un semplice involucro, né solo immagine o grafica; la copertina è sostanza, è il sostrato. Le copertine delle prime edizioni delle opere di Satta anticipano «quello straordinario panorama di scelte intime ed editoriali che mostrano l’anima, i simbolismi, le complessità metaforiche e concettuali, rimandi culturali del linguaggio privato e del linguaggio sociale» (p.70).

Recensione a cura di Annalina Grasso

Annalina Grasso è una giornalista pubblicista nata a Benevento. Si è laureata in Lettere moderne all’Università Federico II di Napoli con una tesi su Giacomo Debenedetti interprete di Marcel Proust e si è specializzata in filologia moderna a indirizzo linguistico presso la medesima università, con particolare interesse verso la storia della lingua italiana. Ha frequentato un corso di laurea magistrale in Editoria e scrittura presso l’Università Tor Vergata di Roma, un breve corso di studi umanistici alla Sorbona e ad Harvard (incentrati soprattutto sulla Divina Commedia), un corso di media social communication alla Ninja Academy di Milano e un master in arte e organizzazione di eventi culturali (specialmente mostre d’arte). Da anni si occupa di cinema, arte e letteratura e nel 2014 ha fondato il magazine culturale online ‘900letterario, che dirige. Le sue ricerche e studi sono volti alla divulgazione di opere letterarie e cinematografiche meno conosciute.

Prof come si dice church in inglese? Recensione del libro di Simone Bulleri

Luca Uria Mulloni recensisce il libro di Simone Bulleri edito da Books&Company

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Prof come si dice church in inglese? Recensione del libro di Simone BulleriProf come si dice church in inglese? Manuale di sopravvivenza al Liceo
Edito da Books&company nel 2016 • Pagine: 128 • Compra su Amazon

Questo agile libretto raccoglie 100 "diapositive" scattate fra le mura scolastiche di alcuni licei romani da Simone Bulleri, professore di Filosofia, che negli ultimi cinque anni di insegnamento ha accuratamente annotato dialoghi, battute, situazioni surreali avvenute durante le sue lunghe giornate di lavoro in classe, e che costituiscono "quei momenti irripetibili" resi decisamente eterni dalla Memoria scolastica che appartiene a ognuno di noi. In altre parole, questo lavoro è un vera e propria raccolta di occasioni umoristiche capaci di illuminare il backstage scolastico, di fornire quindi il quadro vivo di una scuola segreta, più leggera, ma non per questo meno formativa o inadeguata ai suoi compiti istituzionali. Questo viaggio nel sottobosco tragicomico della scuola italiana permetterà così ai genitori di scoprire finalmente il lato pubblico dei propri figli, ai professori di ridere di sé e ai ragazzi di rivedersi in brevi sketch che elevano (perché no?) i loro comportamenti al rango di dignità letteraria.

La recensione di Luca Uria Mulloni

Leggere il libro di Simone è un po’ come ritrovarsi gomito a gomito sullo stesso banco di scuola, circa 30 anni fa, quando le avventure raccontate nelle sue pagine le vivevamo in prima persona, davanti a indefessi professori ed assieme ad eroici studenti con cui condividevamo i nostri anni migliori.

Già il titolo è tutto un programma, apre un mondo su dialoghi professore-alunno (quasi sempre a senso unico) e su interrogativi che resteranno per sempre irrisolti nelle menti di chi scruta il mondo scolastico (dall’esterno ma anche – e soprattutto – dal suo interno).

Ma l’interrogativo principale è: perché mai caro Simone non ci hai deliziato prima di questi irresistibili sketch? Hai atteso quasi mezzo secolo per portare alla luce un sottobosco di insoddisfazioni, interrogativi adolescenziali, situazioni grottesche e episodi di calma apparente alla macchinetta del caffè… e lo hai fatto in un modo leggero, irriverente e nostalgico.
Hai fatto bene a battere il pugno sul tavolo e dire –‘basta! Tutto il mondo deve sapere!’ – anche se quello che succede a scuola lo sanno tutti, lo hanno vissuto tutti, e lo ripeteranno tutti nei secoli dei secoli in un loop infinito, nonostante chi si trovi sui banchi di scuola per la prima volta possa pensare di lasciare in eredità ai posteri qualcosa di esclusivo, unico…

Sei stato bravo con questa nota a piè di pagina, questa raccolta di appunti, questo compendio che inneggia alla leggerezza degli anni che non tornano più e che quindi chi se ne frega ce li viviamo senza se e senza ma, complice la tua toscanità che rende ancora più appetibile e goliardico l’inchiostro che scorre su queste pagine.

Sei stato bravo a farci ridere per gli episodi surreali, a sorridere per episodi in cui ci siamo senz’altro rivisti, e a farci ridere a denti stretti leggendo di aneddoti in cui prima o poi ci siamo trovati nostro malgrado.

Bravo prof, questi anni di scuola ti hanno aiutato a prendere la vita con la stessa filosofia che insegni alle giovani menti che ti ascoltano e che saranno (speriamo!) ignari protagonisti delle prossime perle che leggeremo dalla tua disarmata – e disarmante – penna.

Recensione inviata da Luca Uria Mulloni

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