I migliori libri di filosofia e fenomenologia dell’arte

In questo articolo scopriremo quali sono i migliori libri di filosofia e fenomenologia dell’arte per studenti universitari ed appassionati di queste magnifiche discipline che elevano lo spirito e la mente.

Non è affatto semplice fornire una definizione esaustiva e semplice di discipline impegnative come la filosofia e la fenomenologia dell’arte.

La filosofia dell’arte è quel ramo del sapere filosofico che guarda allo studio e al significato dell’arte sotto la lente propria della Filosofia. Che cos’è l’arte secondo i grandi filosofi del passato e di oggi? Questa la grande domanda intorno alla quale gira l’intera filosofia dell’arte. Per Schelling essa condensa l’unione di Spirito e Natura, di scienza e natura, idea e realtà, conscio e inconscio, comprensibile solo nel momento creativo dell’arte. L’arte diviene di conseguenza l’atto filosofico per eccellenza.

Spesso si confonde la filosofia dell’arte con l’estetica, si tratta in realtà di due materie simili e complementari ma non identificabili: l’estetica studia i criteri del bello attraverso una teoria del giudizio o del sentimento di piacere, la filosofia dell’arte riveste, invece, quel significato metafisico ad essa impressa da pensatori come Schlegel, Schelling, Hegel. La filosofia dell’arte viene vista da questi illustri personaggi come il ponte tra la filosofia dello spirito (idealismo) e la filosofia della natura.Questa disciplina è fondamento di molti Corsi di Laurea dei nostri Atenei e un bagaglio imprescindibile di conoscenze per chiunque voglia accrescere il proprio bagaglio culturale.

Altra fondamentale materia di studio in Italia è la fenomenologia dell’arte. Quando parliamo, in generale, di fenomenologia, indichiamo un settore della filosofia che si occupa dello studio dei più vari fenomeni per come questi si manifestano alla coscienza della persona, indipendentemente dalla realtà fisica esterna, dal mondo che ci circonda. La fenomenologia si applica in diversi settori, come l’arte appunto.

Nella nostra selezione dei migliori libri e manuali di filosofia e fenomenologia dell’arte troverete i migliori testi attualmente adottati nelle Università e nelle Accademie italiane.

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Lineamenti di una fenomenologia dell’arte

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Se il discorso fenomenologico ha un carattere di descrizione, questo testo assume tale dettato prendendo in esame l’ambito estetico-artistico e fornendo esempi inerenti a singole opere d’arte. Il punto di vista di un peculiare realismo critico delineato dall’autore nelle sue opere precedenti, in questo contesto viene articolato in rapporto alla questione dell’arte, prolungando le analisi svolte in passato, e muovendo il discorso a partire dall’orizzonte husserliano. Sulla base di una libera ispirazione rivolta al pensiero di Husserl, il lavoro persegue un carattere di sistema, all’interno del quale emergono le componenti fondamentali dell’arte che hanno fornito un quadro canonico ricorrente nelle estetiche più svariate; e in tal modo, la condizione del bello viene sondata sia nei tratti specifici delle singole arti, sia riguardo al rapporto fra le opere d’arte e l’ambito di referenza, sia nelle sue implicazioni metafisiche provviste di un indice di allusione.

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Intuizione e intelletto. Nuovi saggi di psicologia dell’arte

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Quello tra intuizione e intelletto è il principale binomio a essere articolato in diverse forme nei saggi qui raccolti. Il filo rosso che li lega è un confronto tra la psicologia e la psicologia dell’arte, ovvero tra l’attuale psicologia dei processi cognitivi e una psicologia sviluppata tenendo fede ai principi teorici e metodologici di Rudolf Arnheim. Tale confronto, mentre contribuisce all’analisi di diversi tipi di arte, può servire anche a comprendere meglio la psicologia scientifica e le difficoltà in cui da sempre si dibatte.

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Filosofie dell’arte. Da Hegel a Danto. Nuova ediz.

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Nel 2010 il MOMA di New York ospita una lunga e intensa performance di Marina Abramovi?: The Artist is Present. Durante l’esibizione l’artista ha osservato i volti e le emozioni di oltre 1.700 persone che hanno atteso il loro turno per far parte di quel rituale dell’empatia. Che cosa aveva a che fare, tutto questo, con l’arte? Il libro, in una nuova edizione rivista e aggiornata, affronta i principali interrogativi filosofici posti dalle arti contemporanee, discute le teorie più significative che li hanno affrontati, e difende la tesi per cui – nonostante tutto, ovvero nonostante le innumerevoli evoluzioni stilistiche della sua storia – l’arte è sempre stata lo stesso tipo di cosa.

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La trasfigurazione del banale. Una filosofia dell’arte

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È il problema che passa nella testa di ogni visitatore di musei e gallerie, che appassiona gli amanti dell’arte e tormenta i filosofi: che cos’è mai un’opera d’arte, se oggi persino una scatola di detersivo può esserlo? Nel rispondere a questa domanda, Arthur Danto compie uno straordinario tour de force attraverso l’espressionismo astratto e la Pop Art, l’arte concettuale e il minimalismo, i racconti di Borges e i quadri di Brueghel, le poesie di Auden e i grandi nomi della filosofia analitica e continentale, costruendo quella che è diventata una pietra miliare della filosofia dell’arte e un punto di riferimento imprescindibile per la critica d’arte contemporanea.

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La filosofia dell’arte cristiana e orientale

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“Nei nove saggi raccolti in questo volume Ananda Kentish Coomaraswamy formula le sue idee su temi e argomenti che spaziano dalla filosofia alla sociologia, dal folclore alla concezione indiana del ritratto ideale, ribadendo che quelle che espone non sono opinioni «personali» ma le «logiche deduzioni di una vita intera spesa a maneggiare opere d’arte» e a interpretare significati trasparenti solo a una mente temprata sull’esemplarismo delle Scritture, le uniche «autorità» in grado di guidare l’uomo a cogliere il significato simbolico delle forme e dei suoni espressi con l’arte. Per lo scultore di pietre dell’Europa medioevale, per il pittore di icone della Russia contadina, per il paesaggista giapponese seguace dello Zen, o per il miniatore persiano collegato a una confraternita sufi, il «capolavoro» non è la vistosa espressione di un parto creativo, ma l’esito finale di una lunga disciplina spirituale, che l’apprendista sottopone al vaglio dei maestri iniziati, e solo qualora la prova venga superata egli avrà diritto a esercitare in proprio la sua arte con la qualifica di «maestro». Inoltre il «genio», nella accezione greca del termine, non è un individuo dalla personalità eccezionale, ma quel nume che lo invade, risvegliandolo nell’azione alla contemplazione e mutando l’opera in preghiera. Perciò alle due domande dell’uomo comune: «A che cosa serve?» e «Di che tratta l’arte?», Coomaraswamy risponde: «Nella misura in cui fu un modo di vita, essa tratta di Dio, ma nella misura in cui è diventata una superstizione inutile, il suo effimero e tragico soggetto è l’animale-uomo».” (dallo scritto della curatrice)

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Arte, verità, essere. La riabilitazione ontologica dell’arte in Martin Heidegger e Maurice Merleau-Ponty

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La domanda fondamentale della ricerca si muove attorno alla relazione tra arte, verità e essere, segnalando la natura metafisica del discorso. Questo fatto è sottolineato in quanto l’arte, in ambito filosofico, è di solito trattata in un contesto estetico, ma i due autori scelti vedono nell’arte un legame intrinseco al problema dell’essere, riconoscendo il suo valore anche nell’orizzonte metafisico. Heidegger e Merleau-Ponty avvertono la necessità di superare l’estetica e di svelare le possibilità ontologiche dell’arte, compiendo così una sua “riabilitazione ontologica”, mostrando la sua intima correlatività alla questione dell’Essere e con quella della verità. Il vero senso dell’arte non nasce al di fuori di questo contesto ontologico, ed è proprio questo il motivo per cui la riabilitazione ontologica è diventata necessaria: al punto che si potrebbe affermare che l’estetica conduce l’arte fuori della sua vera essenza. L’arte è, di natura sua, ontologica. Si tratta quindi di un tema assai speciale, che già a prima vista dà luogo a diverse domande. Accettando la sfida della crisi della metafisica nell’età contemporanea, è possibile salvaguardare la questione dell’Essere a partire dall’ambito non-filosofico dell’arte (che condivide in qualche modo il compito della metafisica circa la verità dell’Essere)? Cosa offre l’arte alla filosofia a proposito della questione dell’Essere? Quale verità si esprime in essa?

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Filosofia marxista e storia dell’arte

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In questa breve introduzione, dopo una rassegna della letteratura storico-artistica prodotta in seno al marxismo, l’autore mostra le relazioni tra la storia dell’arte marxista e la storia sociale dell’arte, la sociologia dell’arte, la storia dell’arte di stampo borghese e la teoria dell’arte di stampo anarchico. Descrive poi le varie declinazioni con cui l’approccio marxista può essere applicato all’analisi artistica, esemplificandole con quattro saggi che prendono in esame la produzione artistica di diversi periodi storici. La semplicità e la chiarezza con cui è strutturata l’esposizione degli argomenti e un dizionario in cui vengono spiegati i principali concetti del marxismo classico fanno del volume anche un utile strumento di consultazione rapida. Arricchisce il volume la traduzione integrale del rapporto di Frederick Antal “Sui musei dell’Unione Sovietica”, del 1932.

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Lineamenti di storia dell’estetica. La filosofia dell’arte da Kant al XXI secolo

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Il volume ricostruisce la vicenda storica dell’estetica moderna a partire dalla sua origine come “filosofia dell’arte”, dal pensiero tardosettecentesco fino ai più recenti sviluppi in ambito analitico e continentale. Grazie al costante confronto che vi viene stabilito fra l’estetica e le altre scienze (umane e naturali), gli autori si propongono anche di ripensare le questioni cruciali della disciplina: la determinazione dell’oggetto estetico, la definizione del bello al di là dei confini dell’arte, il rapporto tra percezione e rappresentazione artistica e così via. Si tratta dunque di uno strumento di studio rivolto non soltanto agli studenti dei corsi di laurea che prevedono l’insegnamento dell’estetica, ma anche a chiunque voglia confrontarsi con i diversi modi in cui la modernità ha pensato in termini filosofici il fenomeno dell’arte.

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La questione dell’arte

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Un saggio che intende guidare il lettore attraverso il labirinto dell’arte contemporanea. Si tratta di arte se un artista espone un pavone vivo o il proprio letto disfatto? L’autore rivolge lo sguardo del filosofo sulle forme d’arte. Partendo dall’idea che l’arte è semplicemente forma significante, prende in considerazione alcune teorie dell’arte molto dibattute ma poco comprese: arte come espressione, il dialogo fra le varie forme artistiche o le più canoniche teorie dell’arte. Chiarendo alcuni problemi connessi con l’espressione artistica, quali l’intenzione dell’artista, la rappresentazione e l’emozione, l’autore dimostra come l’opera d’arte debba essere considerata per se stessa e secondo la relazione che stabilisce con la realtà circostante.

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Ma allora, che cos’è un’opera d’arte? Lezioni di filosofia dell’arte

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Che cos’è un’opera d’arte? In questa antologia di conferenze, Joseph Margolis affronta il quesito fondamentale dell’estetica, proponendo una forma di realismo culturale secondo cui “le opere d’arte sono enti fisicamente incorporati (embodied) e culturalmente emergenti.” Queste non sono “trasfigurazioni” di “mere cose reali,” ma denotata che possiedono proprietà sui generis non riducibili alle loro caraneristiche puramente fisiche. In questo senso la percezione di oggetti artistici non è altro che un’estensione dell’autocoscienza umana, intesa come comprensione del sé e della società di riferimento. Gli esseri umani a loro volta sono “simili” ad opere d’arte: il loro agire, la loro identità, i loro enunciati possono essere compresi solamente alla luce della propria Lebensform, Lebenswelt, habitus o tradizione.

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Entropia ed arte

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“Entropia ed arte” moltiplica, indaga e chiarisce i legami tra il mondo dell’arte e il mondo della scienza. Rudolf Arnheim, filosofo, storico dell’arte e psicologo, mostra l’interconnessione fondamentale tra l’atto di percepire la realtà e l’interpretazione di quest’ultima attraverso il concetto di natura, a partire da una profonda analisi che, facendo ordine nella realtà, mette in disordine i presupposti tipici di una certa tradizione filosofica che individuava nella “cosa in sé” un carattere di realtà determinata e ordinabile. Sulla base di questa prospettiva è possibile comprendere il funzionamento della creatività e capire come l’arte sfugga all’antico e ambivalente sogno di prevederla e imbrigliarla. Il “modello” di creazione preso in esame da Arnheim ci viene offerto dalla fisica, dalla biologia e dalla psicologia contemporanee. È possibile dunque comprendere come il concetto di natura si rispecchi all’interno dell’ambito artistico e come quest’ultimo rappresenti e veicoli “modelli” e “valori”. L’intimo rapporto che lega l’arte alle scienze è ciò su cui ancora oggi Arnheim ci invita a riflettere. Introduzione di Luca Taddio.

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L’arte e i suoi oggetti

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“L’arte e i suoi oggetti” di Wollheim è uno dei grandi classici dell’estetica americana contemporanea, e si pone accanto a opere di autori come Goodman e Danto (di cui si veda “Oltre il Brillo Box”, pubblicato dalla Marinotti Edizioni a fine 2010) quale punto di riferimento obbligato per il dibattito filosofico sull’arte. In esso vengono esaminati e discussi i maggiori problemi dell’estetica: dalla definizione dell’arte allo statuto dell’esperienza estetica, dalle peculiarità della percezione dell’opera d’arte alla sua dimensione sociale e culturale. Wollheim sviluppa una teoria che concepisce l’arte come “forma di vita”. Questa teoria trae origine dall’approfondimento delle pratiche percettive che intervengono nella fruizione concreta dell’opera d’arte. Questo perché la riflessione dell’autore, di tipo marcatamente descrittivo, si basa su un’intensa immersione nell’oggetto studiato. Atteggiamento che trova riscontro in un approccio alle opere pittoriche che esige una contemplazione prolungata per assistere alla progressiva emersione del senso dell’immagine. Come racconta lo stesso Wollheim, “giunsi a riconoscere che spesso ci voleva più o meno un’ora per far placare in me associazioni divaganti o percezioni falsamente motivate, e che solo in seguito, impiegando almeno la stessa quantità di tempo nell’osservazione, ci si poteva aspettare che il quadro schiudesse se stesso per quel che era”.

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Visioni. Scritti sull’arte

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Compito della critica è farsi visione. Insistere sul carattere visionario della parola critica significa, infatti, dare all’arte delle immagini – ben altra cosa dalla semplice produzione di immagini – un valore che va al di là tanto dell’intrattenimento culturale quanto della critica sociale. In fondo, significa considerare l’arte un’apertura su una dimensione ulteriore dell’umano; significa aprire il mondo a se stesso e, quindi, alla sua alterità, a ciò che esso contiene di non ancora visibile, pur essendo già qui, presente, sotto i nostri occhi; significa, infine, lasciar apparire, attraverso l’immagine e non tramite la sua negazione, una luce nera al centro stesso del flusso luminoso e disincantato dell’iperproduzione spettacolare della postmodernità.

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La filosofia dell’arte

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Pubblicata nel 1930 come summa delle lezioni universitarie del biennio precedente, La filosofia dell’arte è il primo vero confronto di Giovanni Gentile con il tema dell’Estetica. Dopo decenni in cui il pensatore si era approcciato soltanto in parte o di sfuggita al problema dell’arte, in questo volume affronta esplicitamente l’argomento, per fornire il suo punto di vista – in polemica velata, fra gli altri, con Benedetto Croce – e inquadrarlo meglio all’interno della sua visione attualista, che tanto ha influenzato il pensiero della prima metà del XX secolo.