I migliori libri d’arte illustrati da regalare (o regalarsi)

Se volete regalare o regalarvi un bellissimo libro d’arte illustrato di seguito potete trovare dei consigli che fanno al caso vostro. Pur coscienti dell’impossibilità di rappresentare l’intero mondo dell’arte attraverso una selezione ristretta di volumi, abbiamo provato a diversificare i libri per tecnica e periodo storico, aggiungendo alcuni volumi dedicati alle grandi opere d’altre di artisti di altri luoghi (in particolare Africa, Cina e Giappone) e assegnando notevole importanza alla bellezza delle edizioni. In fondo potete trovare, inoltre, una serie di articoli d’approfondimento sui migliori libri dedicati a singoli artisti.

Cliccando sulle copertine si accede alle schede complete dei libri su Amazon, con tutti i dettagli e le recensioni dei lettori.

Atlante dell’arte contemporanea

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Un catalogo completo delle opere e degli artisti di arte contemporanea, riferimento per musei, artisti, galleristi, collezionisti, associazioni d’arte e appassionati. Quotazioni, attività, aggiudicazioni di mercato, referenze, mostre e note critico-biografiche dedicate al mercato dell’arte contemporanea, il periodo che comprende l’arte creata nel presente, e include tutta l’arte che va dalla fine degli anni ’60 ad oggi, ovvero dalla fine dell’arte moderna. Questo splendido volume è arricchito da un’introduzione di Stefania Pieralice.

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Arte dal 1900

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Un volume, giustamente famoso, firmato da Hal Foster, Rosalind Krauss, e Yve-Alain Bois. Con le sue quasi 900 pagine “L’arte dal 900 – Modernismo, Antimodernismo e Postmodernismo” si presenta come un libro completo, dettagliato e anche molto aggiornato per quel che riguarda la scena contemporanea (si consideri che la terza edizione del testo è stata pubblicata nel 2016). Oltre a numerose riproduzioni di opere a pagina intera troviamo utili approfondimenti storici storici e sulla biografia degli artisti e ottimi inserti di natura critico-teorica.

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L’arte del Rinascimento

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“Questo volume costituisce una sorta di ricognizione, una storia dell’arte in Italia e dell’arte prodotta da artisti italiani all’estero lungo due secoli, a partire dal 1400. Abbiamo puntato alla completezza piuttosto che all’enciclopedismo; abbiamo fatto scelte e fissato limiti, in modo da poterci concentrare su singoli oggetti e monumenti. Il testo è stato organizzato secondo una sequenza cronologica neutrale, piuttosto che per capitoli costruiti intorno alle carriere dei singoli artisti, anche per sottolineare i limiti dell’approccio biografico e per indicare possibili alternative. Ogni capitolo intende mettere in risalto le circostanze e le aspettative che definiscono i momenti storici in cui l’opera venne eseguita…”

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Scultura oggi

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Il libro fornisce una panoramica sulla scultura contemporanea completa e ricca di illustrazioni L’opera è suddivisa in capitoli tematici che si occupano delle diverse fonti di ispirazione degli scultori moderni: il corpo, la natura, il colore, la luce, l’architettura e il minimalismo. Una raccolta di opere, la cui analisi offre uno sguardo ravvicinato al variegato insieme di idee, stili, materiali, tecniche e luoghi di questa poliedrica disciplina artistica.

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La storia dell’arte (Gombrich)

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“La storia dell’arte” è il libro sull’arte più famoso e popolare mai pubblicato. Per oltre cinquant’anni è rimasto un’ineguagliata introduzione alla materia, dalle pitture rupestri all’arte sperimentale contemporanea. In tutto il mondo lettori di ogni età e formazione hanno trovalo in Gombrich un vero maestro, capace di coniugare cultura e sapienza con il raro dono di comunicare in modo diretto l’amore profondo per i capolavori che descrive. La storia dell’arte deve la sua ininterrotta popolarità a una scrittura semplice e immediata, oltre che all’esemplare chiarezza narrativa del suo autore. Lo scopo, come direbbe Gombrich, è di consentire al lettore di “far fronte, senza smarrirsi, alla gran messe di nomi, periodi e stili che affollano le pagine delle opere più ambiziose” e grazie alla profonda conoscenza della psicologia delle arti visive, egli ci prospetta la storia dell’arte come “una continua tessitura e trasformazione di tradizioni, dove ogni lavoro accenna al futuro e ricorda il passato”.

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L’arte italiana. Pittura, scultura, architettura dalle origini a oggi

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È universalmente riconosciuto che il patrimonio artistico italiano è fra i più ricchi, forse il più ricco del mondo. E non si tratta solo di monumenti, musei, dipinti e sculture conservati ancora sul suolo italiano, ma anche di numerosissime opere d’arte che si possono ammirare nei musei di tutto il mondo. Fin dall’epoca medievale l’arte italiana ha sviluppato stili e linguaggi che per secoli hanno rappresentato un costante punto di riferimento anche per gli artisti stranieri. Questo libro è illustrato con oltre ottocento opere, tutte commentate e accompagnate dalle biografie e dai ritratti di oltre duecento maestri.

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La grande docorazione barocca in Italia

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Questo prestigioso volume sulla pittura murale in Italia presenta il magnifico mondo illusionistico, in tutta la sua gamma artistica e intellettuale, della grande decorazione barocca nelle chiese e nei palazzi nell’epoca della Controriforma e dell’Illuminismo. Per la prima volta viene qui offerta un’ampia panoramica di questo capitolo dell’arte italiana tanto spettacolare quanto importante. Il materiale fotografico, appositamente raccolto per quest’opera, permette l’accesso a luoghi d’arte eccellenti – alcuni famosi in tutto il mondo e alcuni finora meno conosciuti, ma ugualmente importanti -, esprimendo così magnificamente il fascino visuale e intellettuale del mondo delle immagini pittoriche del Barocco.

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Architettura. La storia completa

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Dalle costruzioni neolitiche alla bioarchitettura, dalle pagode cinesi alle moschee islamiche, dal classicismo rinascimentale al razionalismo novecentesco, il libro abbraccia ogni epoca, stile, genere e tecnica costruttiva, prendendo in esame centinaia di edifici. Gli stili di matrice europea sono ampiamente trattati, così come le figure chiave dell’architettura occidentale, senza tuttavia dimenticare i linguaggi che si sono diffusi nel resto del mondo né trascurare gli stili vernacolari, le rispettive influenze e i risultati meno ovvi. Gli edifici più rappresentativi sono esaminati attraverso immagini ravvicinate che sottolineano gli obiettivi degli architetti, le particolarità stilistiche e le modalità di costruzione.

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Hieronymus Bosch. L’opera completa

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Nel pieno del realismo artistico che caratterizzava il periodo tardo gotico e gli inizi del Rinascimento, il pittore olandese Hieronymus Bosch (c. 1450-1516) rappresentava qualcosa di più di un’anomalia. I suoi dipinti sono popolati di scene grottesche dove creature fantastiche soccombono a ogni sorta di fantasie, angosce e desideri umani. Una delle sue grandi invenzioni fu quella di riprendere le rappresentazioni sceniche e figurative note come grottesche, che fanno uso del mostruoso e del grottesco per illustrare il male e il peccato, e trasferirle dalle note a margine dei manoscritti miniati a dipinti su pannelli di grande formato. Accanto alle tradizionali creature ibride, incroci tra uomini e animali, come i centauri, e a quelle mitologiche come unicorni, diavoli, draghi e grifoni, incontriamo innumerevoli creature liberamente inventate dalla fantasia dell’artista.

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L’arte di C. G. Jung

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Per Carl Gustav Jung l’arte fu l’amorosa compagna segreta di tutta la vita. Disegnò, dipinse, scolpì, intagliò il legno, progettò architetture con la maestria e la versatilità di un artista rinascimentale. Pochissimi, tuttavia, ne conoscevano il talento fuori del comune, perché egli decise di non rendere pubbliche le sue opere. Il mondo rimase quindi stupefatto quando nel 2009, a quasi cinquant’anni dalla morte, venne dato alle stampe il Libro rosso, l’inedito forse più strabiliante dell’intero Novecento, dove Jung calligrafò la sua potente visione dell’inconscio, illustrandola con tavole degne della migliore tradizione miniaturistica del Medioevo…

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Fiori d’Oriente. Le quattro stagioni nella pittura cinese

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Dall’orchidea al bambù, dal crisantemo al pesco, l’intento dei pittori cinesi è sempre stato quello d’interpretarne visivamente lo spirito e, nondimeno, le diverse relazioni che lo legano intrinsecamente all’animo umano. Il presente volume è composto da quasi un centinaio di dipinti di diverso tipo, per ciascuno dei quali vi è un’analisi di composizione, stile, tecnica e concezione artistica, così da poter portare il lettore ad immaginare, percepire e contemplare il grande fascino della Natura nella sua espressione più nobile: le fioritute nelle 4 stagioni dell’anno.

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Le cento lune

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Un omaggio al Giappone attraverso le tavole di un maestro dell’ukiuyo-e riportato all’attenzione del pubblico italiano. Un tuffo nell’estetica di una tradizione che esercita, oggi più che mai, un’incredibile fascinazione Nel 1885-92 vengono pubblicate in Giappone le cento tavole dedicate alla Luna di Tsukiyoka Yoshitoshi, pittore, incisore, poeta e calligrafo, allievo di Kuniyoshi e ultimo grande maestro dell’ukiyo-e. Le tavole mettono in scena personaggi tratti dalle antiche leggende cinesi e indiane, ma anche poeti, musicisti, geishe ed eroi della letteratura classica. Ma soprattutto, illustrano magistralmente la cultura del Sol Levante: gli struggenti paesaggi illuminati dalla Luna fanno da cornice ai personaggi di cui Yoshitoshi restituisce le emozioni e i costumi.

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Hokusai. Oltre la grande onda

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Maestro riconosciuto in vita, Hokusai ha creato negli ultimi trent’anni della sua lunga esistenza un’opera sublime che in genere viene presentata seguendo la mera cronologia. Questo volume propone un approccio inedito, basato su ricerche innovative: la produzione tardiva è qui raggruppata tematicamente e messa in relazione con le principali ricerche artistiche e spirituali della vita di Hokusai. Il complesso e singolare bagaglio di credenze personali del grande maestro s’illumina nell’analisi delle grandi pitture a pennello, disegni, incisioni e libri illustrati realizzati in tre decadi ricche d’ispirazione e di incessante affinamento. Un’attenzione particolare in questo libro è riservata al ruolo svolto dalla figlia di Hokusai Eijo (Oi), a sua volta pittrice di talento.

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Arte africana

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È difficile delineare una mappatura esaustiva dell’arte dell’Africa subsahariana. In primo luogo, perché la maggior parte delle opere non ci è giunta intatta a causa della fragilità dei materiali impiegati – legno e terra. Secondariamente, perché le ricerche archeologiche in questo campo sono ancora troppo rare. I reperti in nostro possesso, manufatti realizzati perlopiù negli ultimi centocinquanta anni ma che potrebbero risalire a migliaia di anni fa, ci hanno permesso comunque di collegare una moltitudine di stili a specifiche etnie e a macroaree spazio-temporali.

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Outsiders. Storie di artisti geniali che non troverete nei manuali di storia dell’arte

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Un bel volume edito da Giunti e firmato da Alfredo Accatino con trentaquattro storie di uomini e donne che meritano un posto nell’arte del Novecento. Storie da un’altra storia dell’arte, parallela e invisibile. Piccoli straordinari racconti di vite spesso difficili da ricostruire; schegge di creatività che lasciano sbalorditi.

Libri su singoli artisti

Qui potete trovare consigli sui più bei libri disponibili dedicati ai seguenti artisti:

• Caravaggio
• Leonardo
• Michelangelo
• Picasso
• Frida Kahlo
• Claude Monet
• Klimt
• Van Gogh
• Artemisia Gentileschi

Come definire l’arte?

L’arte, nel suo significato più ampio, comprende ogni attività umana – svolta singolarmente o collettivamente – che porta a forme di creatività e di espressione estetica, poggiando su accorgimenti tecnici, abilità innate o acquisite e norme comportamentali derivanti dallo studio e dall’esperienza. Pertanto l’arte è un linguaggio, ossia la capacità di trasmettere emozioni e messaggi. Tuttavia non esiste un unico linguaggio artistico e neppure un unico codice inequivocabile di interpretazione. Nel suo significato più sublime l’arte è l’espressione estetica dell’interiorità e dell’animo umano, ma può essere considerata anche una professione.