Storia dell’arte contemporanea: i migliori libri e manuali

Con arte contemporanea si intende, con un certo grado di approssimazione, l’insieme delle espressioni artistiche prodotte nel periodo successivo alla seconda guerra mondiale. Alle materie classiche come pittura, fotografia, scultura, musica, si affiancano arte digitale, performance e installazioni multimediali. Non esiste una definizione univoca di arte contemporanea e forse l’aspetto più rappresentativo di quest’ultima è il carattere multidisciplinare che la caratterizza.

In questa nostra selezione di libri e manuali di arte contemporanea andremo a scoprire le ultime tendenze e i protagonisti degli ultimi decenni in campo artistico, in Italia e all’estero. Una delle più importanti artiste viventi ed una tra le più amate dalla redazione di Libri News è Marina Abramović. Nata a Belgrado nel 1946 la Abramović si è formata presso l’Accademia di Belle Arti della sua città per poi, nel 1976, trasferirsi ad Amsterdam e iniziare una grande collaborazione artistica ed una grande storia d’amore con l’artista tedesco Ulay. Una delle performance più famose di Ulay e la Abramović insieme è la Rest Energy, del 1980: un arco teso fra Marina e Ulay, la freccia tenuta da lui e puntata al cuore di lei.

Cliccando sulle copertine si accede alle schede complete dei libri su Amazon, con tutti i dettagli e le recensioni dei lettori. Le edizioni qui riportate sono quelle più aggiornate disponibili a maggio 2020.

L’arte contemporanea. Un panorama globale

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L’arte contemporanea è molto discussa e di difficile comprensione: con questo bel libro di Tony Godfrey il lettore riuscirà a capire e comprendere le ultime tendenze artistiche tuffandosi nella storia dell’arte degli ultimi quarant’anni. Attraverso le testimonianze di critici, teorici, curatori, collezionisti, artisti e pubblico scopriremo cosa sia o cosa dovrebbe essere l’arte. Vengono poi illustrate le opere più rappresentative degli artisti contemporanei che operano dalle Americhe all’Estremo Oriente.

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L’arte contemporanea. Il secondo Novecento.

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Gli oggetti e le idee che concorrono all’odierna nozione di arte contemporanea sono cambiati negli ultimi cinquant’anni più che in tutti i secoli precedenti. Sappiamo che significano qualcosa, ma è sempre più difficile dire che cosa. Di volta in volta, l’opera d’arte può aderire nel modo più ossequioso all’economia di mercato oppure innescare una viscerale critica ai suoi meccanismi. È una merce omologata al flusso del capitale globale e al tempo stesso un formidabile strumento di resistenza. Nel bene e nel male, essa ci appare come un linguaggio di questo mondo. Ma è ancora possibile comprendere oggi lo sviluppo dell’arte contemporanea entro le tradizionali categorie della storia dell’arte? Percorrendo lo spazio compreso fra l’inventario e il diario (opere, mostre, fonti e modelli da un lato; intenzioni, ragionamenti e aspettative degli artisti e del pubblico dall’altro), questo libro prova a seguire le vicende dell’arte del secondo Novecento lungo due traiettorie. La prima analizza l’esaurirsi della tradizionale narrazione in termini evolutivi e di avvicendamenti stilistici caratteristica del modernismo. La seconda ricostruisce lo spettacolare pluralismo estetico affermatosi dagli anni Sessanta in avanti.

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L’arte contemporanea. Da Cézanne alle ultime tendenze

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Questa storia dell’arte contemporanea offre una sintesi peculiare: l’intento dell’opera non è quello di privilegiare le singole personalità, ma di risalire ogni volta al nocciolo dei problemi, non solo in riferimento alla vita interna dell’arte, ma anche in collegamento con altri aspetti della cultura del nostro tempo, articolata nel livello “alto” delle idee e in quello basso-materiale della tecnologia. Il cammino dell’arte contemporanea è visto, in sostanza, come la tensione dialettica tra due modelli, l’uno dei quali volto a raggiungere una sintonia tra la sensibilità dell’uomo e una tecnologia di specie meccanica, mentre l’altro modello si ispira all’avvento dell’elettronica, tratto caratterizzante del postmoderno.

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Storia dell’arte contemporanea in Italia. Da Canova alle ultime tendenze 1789-2006. Ediz. illustrata

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Impresa di vasto respiro, questa ricognizione dedicata all’arte contemporanea in Italia prende le mosse dal Canova, individuato come la figura che da noi incarna quella stagione rivoluzionaria nella quale una schiera di artisti quali Füssli, Blake, David, Goya e Turner ha stravolto i canoni su cui sino ad allora si era fondata l’arte dell’Occidente. Il volume prosegue armonizzando un’articolazione di carattere storico in movimenti e tendenze con un’articolazione di carattere geografico, secondo le varie aree regionali così presenti e incisive nel nostro paese. Suddiviso in scansioni diacroniche corrispondenti alle principali emergenze stilistiche che nel campo della pittura e della scultura si sono susseguite nei due secoli presi in esame, il libro si propone di costruire una solida griglia di riferimento in cui i diversi fenomeni trovino posto in una rete d’insieme.

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Il sistema dell’arte contemporanea. Produzione artistica, mercato, musei

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Gallerie, case d’asta, fiere, editoria, musei, mercanti, critici, direttori di musei, collezionisti: il sistema dell’arte contemporanea è articolato in strutture e circuiti di produzione, circolazione, vendita e valorizzazione culturale complessi e internazionali, all’interno dei quali numerosi attori diversi giocano ruoli di sinergia o antagonismo. L’analisi del nesso fra valore estetico e valore economico di un’opera è cruciale per comprendere il senso complessivo della produzione artistica come fenomeno peculiare della cultura contemporanea.

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Si fa con tutto. Il linguaggio dell’arte contemporanea

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Non è vero che l’arte contemporanea non richieda più alcuna competenza tecnica e che si fondi sul principio provocatorio del ready-made. Al contrario, “mai come oggi non soltanto a un artista, ma a chiunque svolga un’attività inventiva, è concesso, anzi decisamente richiesto, di slittare tra competenze diverse: si dà forma a un pensiero con il continuo sovrapporsi di fattori. Il contraltare a questa libertà, tuttavia, è che si disponga di competenze varie e che si agisca in maniera precisa, progettata, realizzando le ipotesi di lavoro più varie con abilità specifiche”. Anche per fare una crepa nel pavimento, un sole finto che abbronza davvero, una scatola nera nella quale il nostro corpo si disperde come nel vuoto (per citare tre opere gigantesche presentate alla Tate Modem di Londra, nell’ordine, di Doris Salcedo, Olafur Eliasson, Miroslaw Balka) occorre avere una coscienza e una dimestichezza dei propri mezzi che non è possibile improvvisare. Le nuove tecniche sembrano però avere almeno un aspetto in comune, quello del bricolage, che mette insieme materie e approcci differenti e che non mira alla durevolezza dell’opera.

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Pittura e crisi dell’uomo contemporaneo. Edward Hopper e Francis Bacon

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Collana “Storia Dell’Arte E Della Critica D’Arte”. Brossura Editoriale Di 202 Pagine, Con 75 Illustrazioni In Bianco E Nero. Libro Come Nuovo. Spedizione In 24 Ore Dalla Conferma Dell’Ordine.

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Estetica dell’arte contemporanea

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Questa raccolta di saggi cerca di mostrare la complessità concettuale dell’estetica e dell’arte contemporanea, a partire dai temi più dibattuti e controversi che l’arte degli ultimi trent’anni suggerisce. Il testo propone un percorso di riflessione che si articola a partire da singole coordinate estetologiche: gusto, bello, brutto, percezione, mimesi, forma, tecnica, media, immaginazione, tempo. Coordinate che vengono arricchite mettendo in evidenza la linea di continuità tra passato e presente, e le problematicità all’interno di una lunga e complessa storia del pensiero artistico filosofico.

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Mettere in scena l’arte contemporanea. Dallo spazio dell’opera allo spazio intorno all’opera

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L’opera d’arte e lo spazio che la circonda vivono in un rapporto di stretta interdipendenza: questo saggio mette a fuoco tale relazione simbiotica, e lo fa attraverso una cospicua cronistoria delle principali sperimentazioni installative e ambientali dalle avanguardie fino ai giorni nostri. Un modo per ripercorrere l’evoluzione del sistema dell’arte e l’itinerario che ha condotto al paradosso postmoderno per cui collocare un qualsiasi artefatto in un particolare contesto è di per sé sufficiente affinché si compia la sua trasfigurazione in dispositivo artistico. È la cronaca di un rapporto in perenne tensione, quello fra testo e contesto, fra contenuto e contenitore. E a pungolarlo, provocando l’evoluzione non solo dell’arte ma anche delle caratteristiche degli spazi espositivi, sono sempre e soprattutto gli artisti più all’avanguardia. La loro ricerca si articola attraverso un fitto dialogo con lo spazio reale, che via via è coinvolto in maniera costitutiva nell’ideazione delle opere. Si comincia con il superamento dei limiti convenzionali del piedistallo e della cornice: il quadro, messo a nudo, esce nel mondo accogliendo nel suo recinto frammenti della realtà.

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Lo schermo dell’arte. 10 anni tra arte contemporanea e cinema

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Curato da Silvana Fiorese e Valeria Mancinelli, il libro riunisce scritti originali di curatori italiani e stranieri che seguono da tempo il lavoro di Schermo dell’arte, festival fiorentino di cinema d’arte, documentari sull’arte, film di artisti che si svolge ogni anno dal 2008. I testi propongono una riflessione sul rapporto tra le diverse arti visive, su come questo rapporto si sia e si stia sviluppando nel mondo, seguendo i cambiamenti imposti dalla tecnologia, dalla comunicazione, dalla globalizzazione. Ma anche riflessioni sul cinema e la videoarte. Il volume si conclude con l’indice degli oltre 270 film proiettati tra il 2008 e il 2018, con i nomi dei loro autori, delle persone che hanno lavorato al festival, dei partner, dei progetti realizzati in questi dieci anni di attività, degli artisti e dei professionisti che hanno partecipato ai due programmi ideati dal festival, VISIO e Feature Expanded.

L’arte contemporanea non viene amata da molte persone, che non la comprendono. Una delle performance più famose e amata anche da chi non ne è un grande estimatore, è quella che ha coinvolto Marina Abramovic e l’ex compagno Ulay nel 2010. Al MoMA di New York, Ulay, dopo anni di separazione e di silenzio tra i due, durante una performance pubblica della Abramovic si è seduto di fronte a lei, che si è sciolta in lacrime. Un momento toccante registrato in un video consegnato alla storia dell’arte contemporanea!