I migliori libri di storia dell’arte medioevale

In questo articolo scopriremo quali sono i migliori libri e  di storia dell’arte medioevale .

Cosa si intende quando si parla di arte medioevale? L’arte medievale si snoda lungo un ampissimo arco temporale lungo quasi mille anni, facendosi largo in un molteplice contesto spaziale il cui baricentro può essere considerato il mar Mediterraneo. La storia dell’arte medioevale, infatti, segnerà lo sviluppo artistico non solo in Europa, ma anche nel Medio Oriente e nell’Africa settentrionale.

Ognuno di noi quando sente parlare di opere ed artisti appartenenti all’arte medievale collega subito i capolavori di quest’epoca all’idea del “sacro”, ed in effetti l’arte medioevale è impregnata di significati e allusioni religiose legate al cristianesimo. L’artista medievale è un “anonimo”, una figura più vicina a quella dell’artigiano che all’idea elitaria degli artisti che abbiamo oggi. Il prestigio sociale, per l’artista medioevale, non era elevato, ma nonostante questo le grandi opere di questi artisti-artigiani sono diventate parte della cultura della nostra civiltà.

Nella nostra selezione sui migliori libri di storia dell’arte medievale scopriremo i grandi argomenti intorno ai quali ruota questa disciplina, dall’arte paleocristiana al formalismo dell’arte bizantina, dall’arte e pittura gotica all’arte islamica. Con uno sguardo rivolto anche all’architettura ad essa correlata, in Italia e nel mondo.

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Diavoli e inferni nel medioevo. Origine e sviluppo delle immagini dal VI al XV secolo. Ediz. illustrata

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Quali sono le prime rappresentazioni del Diavolo e dell’Inferno? E come si sono evolute dalle più antiche manifestazioni meramente allusive del VI secolo sino agli esiti più maturi, per quanto a volte ripetitivi e un po’ naïfs, che condussero alle innovative intuizioni del Rinascimento? Laura Pasquini ci porta alla scoperta, attraverso un vasto repertorio illustrativo, le varie e affascinanti raffigurazioni dell’aldilà, partendo dalle prime iconografie di quello che si può definire il “bestiario del Maligno”, dedicando ampio spazio alle rappresentazioni delle tentazioni di Cristo e alle prime immagini di esorcismi. Questo viaggio continua attraverso le rappresentazioni del secolo XI, in cui, con l’incremento della lotta alle eresie, il demonio e il suo regno intensificheranno le loro comparse in sistemi iconografici già noti e in soluzioni figurative fino ad allora inusitate. Ciò consente all’autrice di analizzarne le fattezze e di definirne le raffigurazioni che nel corso dei secoli XII e XIII si organizzano in composizioni complesse e articolate, nelle quali l’Inferno e il suo principe acquisiscono un rilievo sempre più imponente. È l’Inferno dantesco, di cui sono analizzate le possibili fonti ispiratrici di matrice iconografica e letteraria, a costituire lo snodo cruciale che, a partire dal terzo decennio del secolo XIV, favorisce la formazione di alcuni peculiari moduli espressivi.

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L’arte medioevale in Italia e nell’Occidente europeo

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L’attenzione portata alla circolazione europea delle grandi correnti artistiche e quella dedicata alle varie espressioni delle “arti minori” costituiscono la struttura di questa sintesi dell’arte medioevale, che copre un arco temporale che va dal IV secolo alla prima metà del XV.

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Storia dell’architettura medievale – L’architettura medievale in Italia

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In questi due volumi, riccamente illustrati, viene ripercorsa la storia dell’architettura medioevale, in generale, nel primo libro e in particolare, in Italia, nel secondo. Nel testo dedicato all’Italia si spazia dalla rinascenza carolingia alle grandi creazioni pre-romaniche e romaniche, dalle cattedrali gotiche al Quattrocento fiorentino. Il volume illustra le diverse opere e le analizza sia sotto il profilo tecnico costruttivo sia in relazione ai contesti di cultura urbana.

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Medioevo. Storia di voci, racconto di immagini

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“Per raccontare un’epoca Chiara Frugoni e Alessandro Barbero hanno privilegiato sculture, affreschi, mosaici e miniature del tempo, attribuendo loro lo statuto di fonte e insegnandoci il gusto per il dettaglio rivelatore.” (Carlo Grande, “La Stampa”)

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Storia della pittura bizantina

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Viktor Lazarev ha consegnato alla storia dell’arte un’opera di riferimento sulla pittura bizantina, contribuendo sostanzialmente a definirne un quadro complessivo e coerente. Il termine “bizantino”, applicato talvolta come etichetta alle opere di altri contesti, era stato spesso sminuito e alterato nel suo valore storico-artistico. Lazarev ha cercato di restituire all’arte di Bisanzio e delle province bizantine i loro caratteri essenziali, ricostruendo le fasi del loro sviluppo: dai monumenti del VI secolo alla dissoluzione di un impero e di una cultura sopravvissuti alle ragioni che ne avevano reso possibile la nascita. L’opera non è la semplice traduzione dell’originale russo apparso nel 1947-1948: essa venne radicalmente riveduta e ampliata dall’autore in vista della prima edizione einaudiana apparsa nel 1967, divenendo cosi uno dei punti di riferimento classici per la storia dell’arte e della bizantinistica.

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Le grandi stagioni dell’arte islamica. Ediz. a colori

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Nonostante il gran parlare che ultimamente si fa di Islam nelle sue più varie accezioni, in particolare in quelle sociologiche, religiose e politiche, l’arte espressa da quelle civiltà resta, ancora oggi, perlopiù confinata ai margini di una conoscenza che definire superficiale è eufemistico. Il volume traccia un profilo delle grandi stagioni islamiche del Mediterraneo, un’arte che ci riguarda da vicino, con la quale abbiamo avuto rapporti non sporadici e secondari, soprattutto sulle sponde meridionali del mare nostrum.

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L’arme segreta. Araldica e storia dell’arte nel Medioevo

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Il volume, nato dalle giornate di studio tenutesi nel 2011 presso il Kunsthistorisches Institut in Florenz e la Scuola Normale Superiore di Pisa, offre un approccio innovativo a una disciplina storica – l’araldica – a lungo trascurata o coltivata, in modo superficiale o strumentale, da eruditi e dilettanti. Suo oggetto di studio sono gli stemmi, espressioni figurate dell’identità che, comparse alla metà del XII secolo, si diffusero in modo rapido e capillare in tutta l’Europa. Questi segni costituiscono uno strumento di conoscenza utile per lo storico e, ancor di più, per lo storico dell’arte, cui si rivolge in primo luogo questo libro. Gli stemmi non servono solo alla datazione, al riconoscimento della committenza o delle vicende collezionistiche di un’opera, ma ne illuminano il significato e il contesto di produzione. Elemento essenziale della comunicazione visiva nelle società medievali, ci informano sulla mentalità e le abitudini percettive della committenza e del pubblico. Attraverso lo studio di alcuni casi esemplari, i saggi riuniti in questo volume dimostrano come l’araldica assolva un indispensabile compito ermeneutico per la storia dell’arte.

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La committenza artistica dei papi a Roma nel Medioevo

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Il volume offre un quadro della committenza artistica a Roma nel corso di tutto il Medioevo attraverso uno studio dettagliato sulle figure dei singoli pontefici che ne furono i principali promotori. I fatti artistici, analizzati dal punto di vista della committenza papale, non solo consentono di capire il significato primario connesso alla loro funzione, ma ricreano anche un’immagine speculare del contesto culturale di appartenenza. L’ambito cronologico, circoscritto fra il pontificato di Silvestro I (314-335) e quello di Martino V (1417-1431), lascia intravedere nel comportamento di molti pontefici la persistenza di una mentalità che, da un atteggiamento iniziale di semplice patronato e protezionismo, si tramuta nel tardo Medioevo in vero e proprio mecenatismo. I saggi raccolti, ricchi di spunti e suggestioni, pongono sotto la giusta luce aspetti meno noti di una città come Roma, quale centro ideale della cristianità e termine imprescindibile di riferimento per le sue valenze storico-artistiche.

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Il medioevo fantastico. Antichità ed esotismi nell’arte gotica

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Questo libro di Jurgis Baltrušaitis è diventato rapidamente un’opera di riferimento indispensabile, e ciò sia come summa di una ricerca capillare, condotta per decenni da uno dei maestri viventi della storia dell’arte, sia come indicazione metodologica per lavori futuri, che di fatto poi si sono moltiplicati su questa linea negli ultimi quindici anni. Il tema che Baltrušaitis ha scelto è insieme enorme e sfuggente: studiando il fiorire dell’arte gotica, egli ha osservato come vi confluisse un enorme materiale di temi iconografici dell’antichità classica e dell’Oriente anche estremo. A questo punto si imponeva innanzitutto di rintracciare, entro un’area geografica ‘esplosa’ rispetto alle consuetudini della storiografia occidentale, le varie apparizioni di certi temi, nei contesti più diversi: su un capitello, su un manoscritto, su un sigillo, in un particolare nascosto di un quadro. Non solo, ma di valutare tutte le variazioni che questi temi hanno subìto passando dall’una all’altra civiltà, o anche dall’uno all’altro livello culturale di una stessa civiltà. Con sapiente eleganza, con perspicacia formale e acrobatica capacità di stabilire rapporti fra termini in apparenza lontanissimi, Baltrušaitis è riuscito a catturare fermamente il suo imprendibile tema, arrivando così a darci la traccia di una fenomenologia dell’arte gotica che illumina dall’interno le categorie entro cui si presentava, allora, ciò che noi chiamiamo il ‘mostruoso’, il ‘macabro’, il ‘fantastico’, il ‘demoniaco’.

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Romanico e gotico

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Fra XI e XII secolo un bianco mantello di chiese rivestì l’Europa, come a quei tempi testimoniò il monaco Rodolfo il Glabro. Si rinnovarono monasteri e chiese, sorsero castelli e abbazie vitali come microcosmi. Artisti e architetti, in gran parte rimasti nell’anonimato, crearono allora fra le più grandiose opere che mai mano d’uomo sia riuscita a costruire. Era nata allora una nuova consapevolezza delle capacità umane. Eppure, nonostante la capillare diffusione in tutto l’Occidente cristiano, il Romanico e il Gotico restano ancora gli stili meno noti della storia dell’arte, e il binomio “arte medievale – secoli bui” un pregiudizio che questo libro contribuisce a sfatare grazie anche a una ricca documentazione.

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Pittura gotica italiana

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Sono stati gli artisti del Rinascimento a chiamare per primi “gotico” lo stile inizialmente noto com francigenum opus, cioè “modo di costruire alla francese”: con un chiaro intento dispregiativo, il termine era usato come sinonimo di “barbaro” da coloro che si ritenevano i restauratori della perfezione estetica e tecnica dell’epoca classica. Il Gotico è, invece, uno stile fortemente innovativo. Nato in Francia intorno alla metà del XII secolo, si afferma prima nell’architettura e nella scultura. La pittura resta ancora per qualche tempo legata ai modelli bizantini, per rinnovarsi radicalmente solo nel corso del Duecento, grazie all’opera di Giotto.

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Sofferenza e sentimento nell’arte militare romantica (Testo scritto in Inglese)

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Attraverso le raffigurazioni dell’epoca romantica dei morti e dei feriti Philip Shaw dirige il nostro sguardo sulla figura trascurata del soldato comune.

All’interno della storia dell’arte medioevale nasce e si sviluppa l’architettura gotica. Se anche la parola “gotico” si collegava inizialmente ai Goti, una popolazione barbara, ed era utilizzata con un’accezione dispregiativa, per sottolineare l’inferiorità dell’architettura medioevale rispetto a quella classica, oggi l’architettura gotica è amata in tutto il mondo.

Milioni di visitatori ogni anno partono alla scoperta di questa architettura ammirandone gli elementi che la caratterizzano, come la volta a costoloni, l’arco acuto, il verticalismo, le vetrate e la luce. La meta più gettonata è ovviamente la Francia.  La città di Parigi  è dominata dalla cattedrale di Notre-Dame, famosa in tutto il pianeta. Ma per noi italiani basta andare a Milano per trovare uno degli esempi più esplicativi di architettura gotica grazie al Duomo.