I migliori libri di psicologia dell’arte

In questo articolo scopriremo quali sono i migliori libri di psicologia dell’arte per studenti universitari e appassionati della materia.

La psicologia dell’arte è lo studio di quei meccanismi e vissuti psicologici esperiti nella creazione e nella fruizione di un’opera d’arte. Si tratta di una disciplina al confine con altri campi di studio come l’estetica, l’arte, l’antropologia, la semiotica, etc.

La psicologia dell’arte si è avvalsa, con il passare del tempo, di fondamentali contributi apportati dalle maggiori correnti psicologiche, citiamo a riguardo i contributi dalla psicologia della forma e dalla psicanalisi.

La psicologia della Gestalt si è focalizzata sulla dimensioni percettiva dell’opera, sui meccanismi percettivi sottesi ai fatti visivi. Basti citare sull’argomento i lavori di Rudolf Arnheim, alcuni dei quali sono presenti in questa nostra selezione dei migliori libri e manuali di psicologia dell’arte. Arnheim vede nell’artista il messaggero di significanti universali resi nel particolare (le produzioni artistiche) utilizzando le categorie di forma e colore. Arnheim stesso scrive in Arte e percezione visiva:

«Ogni percezione è anche pensiero, ogni ragionamento è anche intuizione, ogni osservazione è anche invenzione»

Altro fondamentale contributo allo sviluppo degli studi di psicologia dell’arte è quello della psicoanalisi. Carl Gustav Jung, il padre della psicologia analitica e importante protagonista degli studi sulla psicologia del profondo, insieme a Freud, sono i protagonisti di raffinate indagini sulle ragioni inconsce e sui processi coinvolti nell’espressione artistica. Diversamente dalla prospettiva freudiana che pone l’attenzione sull’inconscio individuale, Jung allarga questo orizzonte sino ad abbracciare quelle che è l’inconscio collettivo , il bacino da cui scaturisce l’opera d’arte come riflesso della vita psichica del suo autore.

In questa nostra  coincisa rassegna dei migliori libri di psicologia dell’arte abbiamo inserito i manuali in uso negli omonimi corsi universitari e alcuni saggi scritti presenti nella letteratura internazionale e nazionale, come quelli di Massimo Recalcati, su questo affascinante argomento.

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Psicologia dell’arte

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Uno sguardo psicologico, attraverso la psicoanalisi dell’arte, la psicologia della Gestalt, l’estetica sperimentale e la neuroestetica, può aiutare ad affrontare il tema dell’arte e a renderlo, auspicabilmente, più accessibile. Nel volume, che si rivolge anche a chi non ha una solida formazione artistica, è proposta una modalità di analisi percettiva dell’opera che tratta le caratteristiche strutturali e compositive dell’oggetto artistico. Tale approccio può essere applicato con relativa facilità dal lettore per superare le difficoltà iniziali di comprensione soprattutto di quegli stili artistici che, dalle Avanguardie storiche del primo Novecento in poi, si sono proposti il superamento dell’imitazione della natura e hanno esplorato forme espressive nuove, oltre il figurativismo.

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Tesori dell’inconscio. C. G. Jung e l’arte come terapia

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Carl Gustav Jung non si è rivelato soltanto un grande artista in prima persona. Ha sempre incoraggiato anche i suoi analizzandi (tra cui numerosi allievi) a esprimersi con colori e matite, vincendo la loro iniziale riluttanza a provarsi con mezzi che giudicavano impropri rispetto al tenore solo verbale dell’analisi, e di cui non comprendevano la finalità. Presto, però, tutti dovevano ricredersi. Raffigurare ciò che si agitava nelle regioni profonde della psiche era un «compito a casa» molto spesso risolutivo per l’evolversi della psicoterapia. Nelle mani di chi non aveva mai impugnato un pennello il contenuto dei sogni e delle visioni diurne prendeva forma materiale e, osservava Jung, «dispiegava completamente il suo effetto», ossia diventava «fantasia operante», e conduceva il paziente verso «qualcosa di inestimabile»: la «maturità psicologica». Ma, oltre all’efficacia terapeutica, qualcos’altro ― non intenzionale, non messo in conto da nessuno, analista o paziente ― traspare da queste figure e si impone: la bellezza. L’Archivio delle immagini conservato a Kiis-nacht dal C. G. Jung Institut di Zurigo custodisce 4500 opere di pazienti, raccolte da Jung tra il 1917 e il 1955, perlopiù anonime e di difficile datazione. «Tesori dell’inconscio» ne porta alla luce 178, selezionate e commentate da un gruppo di studiosi che vanta competenze sia analitiche sia storico-artistiche. Jung spiegherebbe l’aria di famiglia che colpisce subito negli acquerelli, guazzi e disegni inediti qui riprodotti riferendone il «simbolismo primitivo», l’«arcaismo inconfondibile» e la «barbarica intensità» alla comune radice nell’inconscio collettivo. Ed è la stessa forza ― dischiusa dai soggetti raffigurati, siano essi paesaggi, demoni interiori, furie animalesche o mandala ― che vediamo agire nelle tavole de «Il Libro rosso» o negli splendidi manufatti di «L’arte» di C. G. Jung.

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Freud e la psicologia dell’arte

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Ernst H. Gombrich ha sempre coltivato un profondo interesse per la metodologia della storia dell’arte che lo ha portato a indagare le tecniche piú attuali della psicologia sperimentale, della percezione visiva e dell’informazione. Nei tre saggi che compongono questo libro, Gombrich affronta un altro problema della psicologia di fronte ai fatti artistici: la psicologia freudiana. Mentre l’immagine stereotipa che ci si è fatti del pensiero di Freud vuole che l’opera d’arte si spieghi attraverso il contenuto che il pensiero inconscio determina turbando l’artista, Gombrich dimostra come Freud giunga a conclusioni del tutto opposte: solo le idee inconsce che possono essere adeguate alla realtà delle strutture formali divengono comunicabili.

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Nuovi lineamenti di una psicologia dell’arte

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Il libro propone l’utilizzo delle categorie psicologiche e psicoanalitiche alla riflessione sull’arte e la letteratura, con particolare interesse per il tema della scrittura, del ritratto e dell’autoritratto. Questa nuova edizione, oltre a ripresentare con forte convinzione una organica rilettura in chiave storico-critica del contributo freudiano, comprende un capitolo “pre-freudiano” sulla vocazione estetico-letteraria degli studi sull’ipnotismo e la suggestione – corredato da un paragrafo di Chiara Tartarini sull’iconografia fotografica delle malattie nervose nell’Ottocento – e si conclude con un denso saggio di Graziella Magherini, che riguarda le ricerche psicoanalitiche sull’arte posteriori ai contributi di Freud.

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Melanconia e creazione in Vincent van Gogh

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In Vincent Van Gogh la relazione tra esistenza e opera, tra malattia mentale e creazione ha fornito materia a una lunga tradizione interpretativa, soprattutto psicoanalitica. Nessuno però ha saputo, al pari di Massimo Recalcati, mettere in rapporto malinconia e dipinti senza cedere a tentazioni patografiche, nel rispetto pieno dell’autonomia dell’arte. Per nessi illuminanti Recalcati procede dalle radici familiari della sofferenza psicotica di Vincent – venuto al mondo nel primo anniversario della morte del fratellino del quale gli fu imposto il nome – alla scelta di vivere da sradicato la propria indegnità di figlio vicario, alla spinta mistica verso la parola evangelica, fino all’estrema devozione alla pittura. Le maschere del Cristo e del “giapponese” servono a Van Gogh per darsi un’identità di cui si sente privo. I suoi quadri costituiscono lo sforzo estremo di attingere, attraverso la luce e il colore, direttamente all’assoluto, alla Cosa stessa. Ma la consacrazione all’arte, che all’inizio lo aveva salvato dalla malinconia originaria, si rivela ciò che lo fa precipitare negli abissi della follia. Il suo movimento pittorico e biografico dal Nord al Sud lo avvicina troppo al calore incandescente della Luce e in questa prossimità, come nel mito di Icaro, egli finisce per consumarsi.

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Il miracolo della forma. Per un’estetica psicoanalitica

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Questo libro propone una nuova visione dei rapporti tra la psicoanalisi e la pratica dell’arte. L’opera d’arte non è il luogo dove si manifesta il fantasma inconscio del suo autore – secondo una tradizione riduttivamente patografica – né può essere ricondotta meccanicamente alla biografia dell’artista. Piuttosto in essa si manifesta il soggetto dell’inconscio come impossibilità di rendere del tutto decifrabile l’enigma del testo d’arte. Tra la pratica artistica e quella psicoanalitica esiste un punto di prossimità radicale: entrambe sono pratiche di linguaggio che esplorano il limite del linguaggio stesso, il reale impossibile da rappresentare. Il loro problema resta comune: come è possibile dare una forma alla forza (informe) che si manifesta nel reale della pulsione? Questa nuova edizione aggiornata è arricchita da un saggio dedicato a Van Gogh nel quale l’autore sintetizza il suo pensiero originale sulle tendenze fondamentali dell’arte contemporanea.

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Lo specchio dell’io. Autoritratto e psicologia

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Il libro analizza, anche alla luce della psicoanalisi, i principali meccanismi psichici che presiedono alla dinamica dell’autoritratto, a partire dal controverso rapporto che ciascuno di noi intrattiene con la propria immagine. Ogni autoritratto eseguito, osservato o semplicemente immaginato rievoca e rispecchia le tappe della formazione dell’Io, riattivando e in qualche misura rielaborando le ansie relative al senso della nostra identità. Il saggio è ricco di numerosissimi riferimenti storico-artistici, da Giotto ai nostri giorni, passando attraverso l’esperienza ‘espressionistica’ dell’età contemporanea (Van Gogh, Munch, Schiele ma anche Duchamp, Picasso, Warhol) e di molteplici esempi letterari, in particolare sul tema dello specchio e del doppio (come Pirandello, Woolf, Kafka, Kundera).