I migliori libri e manuali di Storia dell’Arte Moderna (aggiornati al 2022)

In questo articolo scopriremo quali sono i migliori libri e manuali di Arte Moderna disponibili nel 2022.

Se è vero che etichettare l’arte, in generale, è indiscutibilmente una operazione difficile e forzata, possiamo comunque inquadrare l’Arte Moderna come l’insieme delle manifestazioni artistiche nate con il pre-impressionismo, in netto contrasto con la cultura del passato e contrassegnata da una forte tendenza alla sperimentazione. Come inquadramento storico possiamo incastonare l’Arte Moderna in quel lasso di tempo che parte dal 1860 e si conclude verso la fine del Novecento, ovvero al limite (con qualche sbavatura) dell’inizio dell’arte post-moderna o contemporanea.

Nell’Arte Moderna rientrano quindi movimenti che hanno segnato la storia dell’arte in generale come l’impressionismo, il romanticismo, il realismo. Ma anche il simbolismo, l’espressionismo, il cubismo e il surrealismo.

Nella nostra selezione dei migliori libri e manuali di storia dell’ Arte Moderna abbiamo inserito alcuni dei libri “storici” sull’argomento ma anche i manuali più aggiornati sulle varie correnti artistiche che hanno segnato l’intera Arte Moderna.

Cliccando sulle copertine si accede alle schede complete dei libri su Amazon, con tutti i dettagli e le recensioni dei lettori. Le edizioni qui riportate sono quelle più aggiornate disponibili nel 2022.

Arte moderna (1870-2000). Dall’impressionismo a oggi

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Questo volume restituisce al lettore un resoconto accurato del modernismo più innovativo. L’avventura dell’arte moderna ebbe inizio circa 150 anni fa a Parigi, quando alcuni pittori, che oggi conosciamo come impressionisti, iniziò a dipingere quadri con pennellate brevi, rapide e spesso pastose e cariche di colore. Al posto di scene eroiche preferivano ritrarre la vita quotidiana nelle strade, e si sottraevano al potere dell’establishment e dei Salon organizzando le proprie mostre indipendenti. Dopo questo assalto alla pratica accademica consolidata, non si torna indietro.

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Lo specchio della storia anzi la storia allo specchio. Saggi di storia dell’arte medievale e moderna

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Questo volume raccoglie una scelta di scritti di Fabio Bisogni: la convinzione che l’iconografia fosse, secondo la definizione che lui stesso ne aveva dato, “lo specchio della storia, anzi la storia allo specchio” è alla radice della maggior parte dei suoi lavori e il filo conduttore di quelli riuniti in questa raccolta. Divisi cronologicamente in tre differenti sezioni, che vanno dal tardo Medioevo al Seicento, con alcune incursioni nell’Ottocento, vengono riproposti dei saggi che rispecchiano la varietà di interessi che ha caratterizzato il percorso dei suoi studi.

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La funzione moderna dell’arte. Estetica delle arti visive nella modernità

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La modernità del XVIII secolo si caratterizza con una nuova funzione dell’arte in senso evolutivo dell’uomo. L’artista non è più servitore della forma, ma esecutore artefice della mimesis, creatore. Contemporaneamente in Europa si affermano tre istituzioni: il Museo come tutela e valorizzazione del bene culturale, l’Accademia come contesto di formazione e di produzione dell’arte e dell’artista, e l’Estetica come definizione dei nuovi concetti di gusto, genio, arte, operatività. Da Diderot a Winckelmann, da Kant a Hegel, da Nietzsche a Baudelaire, l’arte e l’artista assumono una centralità inedita. La rivoluzione industriale, la fotografia, il cinema, le tecnologie in genere interrogano l’arte e aprono nuove prospettive, orientando gli artisti verso soluzioni originali. Nuovi interrogativi si pongono nel contemporaneo: come è possibile insegnare l’arte? Quale il ruolo dell’arte e dell’artista nel trionfo dell’estetica, mentre l’arte attuale sembra avere perduto ogni rilevanza?

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Il primato dell’occhio. Temi e metodo della storia dell’arte in età moderna

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Questo libro illustra i lineamenti fondamentali, i temi e i contenuti della storia dell’arte nella prima età moderna – dal Rinascimento all’Illuminismo – e introduce il lettore ai primi strumenti di un appropriato ed autonomo metodo di studio.

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La linea analitica dell’arte moderna. Le figure e le icone

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La riproposta di uno tra i principali documenti della critica storico-artistica contemporanea.

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Outsiders. Storie di artisti geniali che non troverete nei manuali di storia dell’arte. Ediz. a colori

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Trentaquattro storie di uomini e donne che meritano un posto nell’arte del Novecento. Storie da un’altra storia dell’arte, parallela e invisibile. Piccoli straordinari racconti di vite spesso difficili da ricostruire; schegge di creatività che lasciano sbalorditi.

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L’arte moderna 1770-1970-L’arte oltre il Duemila

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Vengono trattati tra i vari argomenti presenti nel volume: l’Ottocento in Italia, in Germania, in Inghilterra; il Modernismo; il funzionalismo; la crisi dell’arte come ‘scienza europea’; l’arte fino al Duemila; La globalizzazione dell’arte. Alla fine del volume si trova una mappa dei movimenti artistici contemporanei nel Sistema dell’arte e un indice degli artisti, dei movimenti e dei termini.

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L’architettura moderna dal 1900. Ediz. illustrata

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Il testo offre una panoramica globale, unendo uno sguardo d’insieme sullo sviluppo della tradizione moderna a una ricca analisi interpretativa dei singoli edifici. L’autore adotta un approccio trasversale che combina dimensione pratica, estetica e sociale, riservando una particolare attenzione agli aspetti formali e simbolici dell’arte. Il libro svela come le idee possano venir formulate in termini architettonici.

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Il futurismo. Anni ’10-Anni ’20. Ediz. a colori

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Questo volume propone, nei testi e nelle opere, il grande tema futurista della ricerca di una nuova umanità, mettendo al centro il motivo formale e retorico dell’antropomorfismo. In bilico tra una concezione progressista e negativa del rapporto tra l’uomo e la macchina, capace di assumere come potenza la condizione alienata della modernità, il futurismo inventò soluzioni creative che, non fermandosi nel quadro, lo oltrepassarono per creare un “organismo autonomo”, l’oggetto reale come nuova umanità.

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Da Magritte a Duchamp. 1929: il grande Surrealismo dal Centre Pompidou. Ediz. a colori

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Il 1929 nell’immaginario collettivo è associato al crollo finanziario che, giovedì 24 ottobre, colpisce Wall Street prima di abbattersi su tutte le economie mondiali. Anche per il Surrealismo è l’anno di una crisi senza precedenti, di un “big bang” che, se in apparenza sembra segnarne la fine, si rivelerà in realtà all’origine della sua reinvenzione. Il 1929 vede infatti, tra le altre cose, la nascita del primo fotocollage di Max Ernst e di Un Chien andalou, il primo capolavoro cinematografico surrealista.

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Espressionismo

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Angoli netti, forme bizzarre, colori sporchi e prospettive distorte sono elementi tipici dell’espressionismo, il movimento nato nel XX secolo che rese protagoniste le emozioni, preferendole alla realtà oggettiva. Particolarmente florido in Germania e Austria, l’approccio espressionista si fece strada sulla scena internazionale e oggi è considerato uno dei cambiamenti che più hanno influenzato la storia dell’arte. Gli espressionisti, rappresentati dal gruppo Die Brücke (Il ponte) e Der Blaue Reiter (Il cavaliere azzurro), nonché da esponenti del calibro di Vasilij Kandinskij, Egon Schiele ed Emil Nolde, rinnegarono l’impressionismo, definendolo “l’abnegazione dell’uomo, ridotto a mero strumento di registrazione del mondo esterno”, per dedicarsi alla rappresentazione della realtà nuda e cruda, così come la si vive, non come la si vede. I loro dipinti vibrano di carico emotivo, trasmesso grazie a una palette di colori intensi e innaturali, pennellate ampie e trame spesse. Esplorando le peculiarità stilistiche del gruppo, gli influssi e i suoi protagonisti principali, questo volume introduttivo presenta il panorama espressionista, con i suoi stati d’animo, le idee e le emozioni, alla ricerca della verità più autentica.

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Impressionisti. La nascita dell’arte moderna

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Tutti i capolavori di tutti gli artisti che, nella Parigi del secondo Ottocento, hanno dato vita alla prima vera e propria rivoluzione artistica del nostro tempo. Manet, Monet, Renoir, Cézanne, Degas e compagni chiudono le porte all’arte accademica e ai soggetti storico-religiosi, escono nelle strade, mettono i cavalletti lungo le rive dei fiumi, si muovono tra caffè e giardini per cogliere dal vero e fermare sulla tela “en plein air” l’impressione visiva di un preciso istante, un frammento di luce “reale”, il sapore e il colore della “vita moderna”. Ed è così che la modernità fa irruzione negli atelier dei pittori, nelle gallerie, nei Salon, nell’immaginario degli appassionati d’arte. La prima mostra degli impressionisti si svolge a Parigi il 15 aprile 1874. Centosessantatre opere di Monet, Renoir, Degas, Cézanne…

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Photography and Other Media in the Nineteenth Century

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In the first half of the nineteenth century, the introduction of telegraphy, the development of a cheaper and more reliable postal service, the rise of the mass-circulation press, and the emergence of the railway dramatically changed the way people communicated and experienced time and space. Concurrently, photography developed as a medium that changed how images were produced and circulated. Yet, for the most part, photography of the era is studied outside the field of media history. The contributors to this volume challenge those established disciplinary boundaries as they programmatically explore the intersections of photography and “new media” during a period of fast-paced change. Their essays look at the emergence and early history of photography in the context of broader changes in the history of communications; the role of the nascent photographic press in photography’s infancy; and the development of photographic techniques as part of a broader media culture that included the mass-consumed novel, sound recording, and cinema.

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Abstract expressionism. Ediz. italiana

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L’Espressionismo astratto fu un movimento artistico che si sviluppò negli Stati Uniti dopo la Seconda guerra mondiale. Più di questo, però, fu il primo fenomeno artistico tipicamente americano a esercitare una grande influenza sulla produzione negli altri Paesi, contribuendo radicalmente a trasfomare New York nella nuova capitale mondiale dell ‘arte e, più in generale, a spostare il fulcro artistico del pianeta dall ‘Europa agli Stati Uniti. L’Espressionismo astratto voleva esprimere emozioni e idee direttamente sulla tela attraverso il colore, le forme, la consistenza e la forza delle pennellate. Per molte persone risulta difficile riuscire a distinguere l’Arte Contemporanea da quella Moderna, semplicemente perché è difficile racchiuderla in un arco temporale preciso e perché non esiste una vera e propria scuola artistica con la quale identificarla.

Se anche dipende, infatti, dal punto di vista degli storici, di certo possiamo intendere l’Arte Contemporanea come l’insieme dei fenomeni culturali ancora in atto, non ancora storicizzata quindi e in formazione, che racchiude nuove tecniche e linguaggi come l’arte digitale e le installazioni.